Atores Hollywoodianos

Sir Alec Guinness, CH, CBE (2 de Abril 1914-5 Agosto de 2000) era um ator Inglês. Depois de um início de carreira no palco ele foi destaque em várias das Comédias Ealing, incluindo The Ladykillers e gentil Corações e Coronets em que jogou oito personagens diferentes. Ele também é conhecido por suas colaborações com seis David Lean: Herbert bolso em Grandes Esperanças (1946), Fagin em Oliver Twist (1948), o coronel Nicholson em A Ponte do Rio Kwai (1957, pelo qual ganhou o Oscar de Melhor Ator), o príncipe Faisal em Lawrence da Arábia (1962), Yevgraf em Doutor Jivago (1965), e Professor Godbole em A Passage to India (1984). Ele também é conhecido por sua interpretação de Obi-Wan Kenobi na trilogia Star Wars original de George Lucas, recebendo uma indicação ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante.
Guinness foi um dos três principais atores britânicos, juntamente com Laurence Olivier e John Gielgud, que fez com sucesso a transição do teatro de Shakespeare em seu país de origem para blockbusters de Hollywood imediatamente após a Segunda Guerra Mundial. Bem como um prémio da Academia, ele também ganhou um prêmio BAFTA, Globo de Ouro e um prêmio Tony. Em 1959, ele foi nomeado cavaleiro pela Rainha Elizabeth II para serviços para as artes. Ele recebeu uma estrela no Hollywood Walk of Fame em 1960, recebeu o Prêmio Honorário da Academia pelo conjunto da obra em 1980, ea Fellowship Award BAFTA da Academia em 1989...Guinness nasceu em 155 Lauderdale Mansions do Sul, Lauderdale Road, Maida Vale, Londres como Alec Guinness de Cuffe.  O nome de solteira de sua mãe era Agnes Cuff. Ela nasceu 08 de dezembro de 1890 para Edward Cuff e Mary Ann Benfield. Na certidão de nascimento do Guinness, o espaço para o nome da mãe mostra Agnes de Cuffe. O espaço para o nome da criança (onde os primeiros nomes são dadas somente) diz Alec Guinness. A coluna para o nome e sobrenome do pai está em branco.
A identidade do pai de Guinness nunca foi oficialmente confirmada  embora tenha sido especulado que ele pode ter sido um membro da família Guinness anglo-irlandês. A partir de 1875, sob a lei Inglês, quando o nascimento de um filho ilegítimo foi registrado, o nome do pai poderia ser inscrito no certificado somente se ele estivesse presente e deu o seu consentimento. Se Guinness acreditava que seu pai era um banqueiro escocês, Andrew Geddes (1861-1928), que pagou para a escola pública do Guinness (em idioma americano, escola particular) educação. Geddes ocasionalmente visitou Guinness e sua mãe, posando como um tio.  Guinness era desinteressado em sua mãe, que mais tarde teve um curto casamento com um, em estado de choque violento veterano da guerra da independência irlandesa...Guinness trabalhou pela primeira vez a escrever textos publicitários. Seu primeiro trabalho no teatro foi em seu aniversário de 20 anos, enquanto ele ainda era um estudante do drama, no Libel jogo, que foi inaugurado no antigo Teatro, Hammersmith do Rei, e, em seguida, transferido para o Playhouse onde seu estado foi criado a partir de um pé- para na substituição de duas linhas e seu salário aumentou para £ 1 por semana.  Ele apareceu no Teatro Albery em 1936 com a idade de 22, fazendo o papel de Osric na produção bem-sucedida de John Gielgud de Hamlet. 1936 também viu Guinness assinar com o Old Vic, onde ele foi lançado em uma série de papéis clássicos.  Durante este tempo, ele trabalhou com muitos atores e atrizes que se tornariam seus amigos e freqüentes co-estrelas no futuro, incluindo John Gielgud, Peggy Ashcroft, Anthony Quayle e Jack Hawkins. Uma influência precoce de longe era Stan Laurel, a quem admirava Guinness.
Guinness continuou desempenhando papéis shakespearianos longo de sua carreira. Em 1937, ele jogou Aumerle em Richard II e Lorenzo em O Mercador de Veneza sob a direção de John Gielgud.He estrelou uma produção de Hamlet 1938 que lhe rendeu elogios de ambos os lados do Atlântico  Ele também apareceu como Romeo em um produção de Romeu e Julieta (1939), Andrew Aguecheek em Twelfth Night e como Exeter em Henry V em 1937, ambos ao lado de Laurence Olivier, e Ferdinand em A Tempestade, em frente Gielgud como Prospero.
Em 1939, ele adaptou novos Grandes Esperanças de Charles Dickens para o palco, fazendo o papel de Herbert bolso. A peça foi um sucesso. Um dos seus telespectadores era um jovem editor britânico filme, David Lean, que teria mais tarde Guinness reprisar seu papel na adaptação do filme de 1946 magra do jogo.
Guinness servido na reserva voluntária Marinha Real durante a Segunda Guerra Mundial, servindo primeiro como marinheiro em 1941 e ser encomendado no ano seguinte.  Ele ordenou uma embarcação de desembarque de tomar parte na invasão da Sicília e Elba e, posteriormente, transportados suprimentos e agentes para os partidários jugoslavos. Durante a guerra, ele foi autorizado a aparecer na produção da Broadway de Caminho jogo alargamento de Terence Rattigan, sobre o comando do bombardeiro do RAF.
Guinness voltou ao Old Vic em 1946 e permaneceu até 1948, jogando Abel Drugger em Ben Jonson O Alquimista, o Bobo em Rei Lear oposto Laurence Olivier no papel-título, DeGuiche em Cyrano de Bergerac oposto Ralph Richardson no papel-título, e, finalmente, estrelando em uma produção Old Vic como de Shakespeare Richard II. Depois de deixar o Old Vic, ele jogou Eric Birling em JB Priestley An Inspector Calls no New Theatre, em outubro de 1946. Ele jogou o Uninvited Guest na produção da Broadway de The Cocktail Party, de TS Eliot (1950, reviveu no Festival de Edimburgo em 1968) . Sua terceira tentativa no papel-título de Hamlet, desta vez sob sua própria direção no New Theatre (1951), provou ser um grande desastre teatral.
Convidado por seu amigo Tyrone Guthrie para se juntar a temporada estréia do Festival Stratford do Canadá, Guinness viveu por um tempo breve em Stratford, Ontário. Em 13 de Julho de 1953, Guinness falou as primeiras linhas da primeira peça produzida pelo festival, Ricardo III de Shakespeare: "Agora é o inverno do nosso descontentamento / Made glorioso verão por este sol de York."
Guinness ganhou um prêmio Tony por sua performance na Broadway como poeta Dylan Thomas em Dylan. Em seguida, ele interpretou o papel título em Macbeth oposto Simone Signoret no Royal Court Theatre em 1966, uma falha visível.
Guinness fez sua última apresentação palco do Comedy Theatre em 30 de maio de 1989, na peça A Walk in the Woods. No total, entre 02 de abril de 1934 e 30 de maio de 1989, ele jogou 77 peças no teatro.
Nos filmes, Guinness foi inicialmente associada principalmente com o Ealing Comédias, e particularmente para jogar oito personagens diferentes em Kind Hearts and Coronets. Outros filmes deste período incluíram The Lavender Hill Mob, O Quinteto da Morte, e O Homem do Terno Branco. Em 1952, Ronald Neame diretor lançar Guinness em seu primeiro papel principal romântico, em frente Petula Clark no cartão. Em 1951, os expositores votaram nele o astro britânico mais popular.
Outros papéis em filmes notáveis ​​deste período incluem The Swan (1956), com Grace Kelly, em seu segundo e último papel no cinema; Boca do cavalo (1958), no qual Guinness fez o papel do pintor bêbado Gulley Jimson bem como escrever o roteiro, para o qual ele foi nomeado para um Oscar; a liderança no de Carol Reed Nosso homem em Havana (1959); Marco Aurélio, em A Queda do Império Romano (1964); O Quiller Memorandum (1966); O fantasma de Marley em Scrooge (1970); Charles I em Cromwell (1970); Papa Inocêncio III em Franco Zeffirelli do Irmão Sol, Irmã Lua (1972); eo papel-título de Hitler:. Os Últimos Dez Dias (1973), que ele considerava seu melhor desempenho filme, embora os críticos discordaram  Outro papel que é por vezes referido como um que ele considerava seu melhor, e é assim considerado por muitos críticos, é o de coronel Jock Sinclair em Tunes of Glory (1960). Guinness também desempenhou o papel de Jamessir Bensonmum, o mordomo cego, em 1976 Neil Simon filme Murder by Death...Guinness ganhou especial elogios por seu trabalho com o diretor David Lean, que hoje é seu trabalho mais conhecido e mais aclamados pela crítica. Depois de aparecer em Great Expectations e Oliver Twist do Lean, ele foi dado um papel protagonista ao lado de William Holden em A Ponte do Rio Kwai. Por sua atuação como o coronel Nicholson, o POW britânico comandante inflexível, Guinness ganhou um Oscar. Apesar de uma relação difícil e muitas vezes hostil, Lean, referindo-se a Guinness como "o meu amuleto da sorte", continuou a lançar Guinness em papéis de personagens em seus filmes posteriores: líder árabe Príncipe Feisal em Lawrence da Arábia; meio-irmão do personagem-título, líder bolchevique Yevgraf, em Doutor Jivago; e místico indiano Professor Godbole em A Passage to India. Ele também foi oferecido um papel em A Filha de Ryan Lean (1970), mas não quis. Naquela época, havia Guinness "desconfiança" Lean and considerada a relação estreita anteriormente como tensas; embora em seu funeral, ele lembrou que o famoso diretor foi "encantador e afável".
O papel do Guinness como Obi-Wan Kenobi na trilogia original de Star Wars, começando em 1977, lhe trouxe reconhecimento mundial por uma nova geração, bem como Globo de Ouro e ao Oscar nomeações. Em cartas a seus amigos, Guinness descreveu o filme como "fada lixo conto de fadas", mas o sentido do filme de boa moral - e duplicação do estúdio de sua oferta de salário inicial -. Apelou para ele, e ele assinado em  Ele foi um dos poucos membros do elenco que acreditavam que o filme seria um sucesso de bilheteria; ele negociou um acordo para 2% dos royalties brutos pagos ao diretor, George Lucas, que recebeu um quinto das receitas de bilheteira. Isso o fez muito rico em sua vida mais tarde, e ele concordou em assumir o papel de Kenobi com a condição de que ele não teria que fazer qualquer publicidade para promover o filme. Após a sua primeira exibição do filme, Guinness escreveu em seu diário que "É um filme bastante surpreendentes como espetáculo e tecnicamente brilhante. Emocionante, muito barulhenta e calorosa. As cenas de batalha no final ir por cinco minutos muito tempo, eu sentir, e alguns dos diálogos é insuportável e muito do que é perdido no ruído, mas continua a ser uma experiência vívida. "
No entanto, Guinness logo se tornou descontente com ser identificado com a peça, e expressou consternação com que a trilogia Star Wars atraiu a seguinte fan-. No comentário do DVD do Star Wars original, o diretor George Lucas diz que Guinness não estava feliz com a re-escrever roteiro em que Obi-Wan é morto. No entanto, o Guinness disse em uma entrevista de 1999, que era, na verdade, a sua ideia para matar Obi-Wan, persuadindo Lucas que faria dele um personagem mais forte, e que Lucas concordou com a idéia. Guinness afirmou na entrevista, "O que eu não disse a Lucas foi que eu simplesmente não podia continuar falando essas terríveis, linhas banais sangrentas. Eu tive o suficiente do patranhas." Ele passou a dizer que ele "encolhido" toda vez que Guerra nas Estrelas foi mencionado para ele.
Embora Guinness não gostava da fama que se seguiu o trabalho ele não estima,  Lucas e colegas de elenco Mark Hamill, Harrison Ford, Anthony Daniels e Carrie Fisher ter falado muito de sua cortesia e profissionalismo, dentro e fora do set. Lucas creditado com inspirando-o elenco ea equipe a trabalhar mais, dizendo que Guinness contribuiu significativamente para alcançar a conclusão das filmagens. Guinness foi citado como dizendo que os royalties obtidos a partir de ele trabalhar nos filmes deu-lhe "não há queixas, deixe-me deixá-lo dizendo que eu possa viver para o resto da minha vida na maneira razoavelmente modesto agora estou acostumado, que eu tenho não há dívidas e eu posso dar ao luxo de recusar trabalho que não apelar para mim. " Em sua autobiografia, bênçãos disfarçadas, Guinness diz um entrevistador imaginário "Bendito seja o Star Wars", em relação à renda que forneceu.
No volume final do livro A Aparência Positivamente final (1997), Guinness narra a contragosto dar um autógrafo a uma jovem fã que alegou ter visto Star Wars mais de 100 vezes, com a condição de que a promessa menino parar de assistir o filme, porque , como Guinness disse a ele, "este vai ser um efeito doente em sua vida." O ventilador estava atordoado no início, mas depois agradeci a ele (embora algumas fontes dizem que foi de forma diferente). Guinness é citado como dizendo: 'você acha que poderia prometer nunca mais ver Star Wars novamente' "" Bem, "eu disse, Ele começou a chorar. Sua mãe se ergueu a uma imensa altura. "Que coisa terrível de dizer a uma criança!" ela latiu, e arrastou o pobre garoto de distância. Talvez ela estivesse certa, mas eu só espero que o rapaz, agora nos seus trinta anos, não está vivendo em um mundo de fantasia de segunda mão, banalidades infantis. " Guinness cresceu tão cansado de audiências modernas aparentemente conhecê-lo apenas para seu papel de Obi-Wan Kenobi que ele iria jogar fora o e-mail que recebeu de fãs de Star Wars sem lê-lo.
A partir dos anos 1970, a Guinness fez aparições regulares da televisão na Grã-Bretanha, incluindo a parte de George Smiley nos serializações de dois romances de John le Carré: Toupeira e Povo de Smiley. Ele ganhou duas vezes o prêmio Academy Television Britânica de Melhor Ator para os papéis, e Le Carré ficou tão impressionado com o desempenho do Guinness como Smiley que ele baseou sua caracterização de Smiley em romances posteriores sobre Guinness. Uma das últimas aparições do Guinness foi no drama da BBC Dia Eskimo (1996).
Guinness ganhou o Oscar de Melhor Ator em 1957 por seu papel em A Ponte do Rio Kwai, depois de ter sido nomeado sem sucesso em 1952 por sua atuação em The Lavender Hill Mob. Ele foi nomeado em 1958 para o Oscar de Melhor Roteiro, Argumento Baseado em material de um outro médio, por seu roteiro adaptado do romance de Joyce Cary boca do cavalo. Ele foi nomeado para Melhor Ator Coadjuvante por seu papel como Obi-Wan Kenobi em Star Wars, em 1977. Ele recebeu um prêmio honorário da Academia pelo conjunto da obra em 1980. Em 1988, ele recebeu uma indicação ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante para Little Dorrit. Ele recebeu o BAFTA Fellowship Academy Award pelo conjunto da obra em 1989.
Por seu trabalho no teatro, ele recebeu um Evening Standard Award por sua performance como TE Lawrence em Ross e um prêmio Tony por sua vez Broadway como Dylan Thomas em Dylan.  Guinness recebeu uma estrela no Hollywood Walk of Fame em 1559 Vine Street em 8 de Fevereiro de 1960.
Guinness foi nomeado Comandante da Ordem do Império Britânico (CBE) em 1955, e foi nomeado cavaleiro em 1959. Em 1991, ele recebeu um doutorado honorário da Universidade de Cambridge.  Três anos mais tarde, aos 80 anos, ele foi nomeado um Companion of Honour.
Guinness casou com o artista, dramaturgo e atriz Sylvia Merula Salaman (1914-2000) em 1938;  em 1940, eles tiveram um filho, Matthew Guinness, que mais tarde tornou-se um ator. A família viveu em Steep Marsh em Hampshire.
Em sua biografia, Alec Guinness: The Unknown, Garry O'Connor alega que Guinness foi preso e multado em 10 guinéus (£ 10,50) para um ato homossexual em um banheiro público em Liverpool em 1946. Guinness disse ter evitado publicidade por dar o seu nomear a polícia e tribunal como "Herbert de bolso", o nome do personagem que interpretou em Grandes Esperanças. A alegação não foi feito até abril de 2001, oito meses após sua morte, quando um artigo da BBC News afirmou que Guinness era de fato bissexual e que ele tinha mantido com êxito a sua sexualidade privada dos olhos do público como seus amigos mais próximos e familiares também sabia que ele tinha relações sexuais com homens.  Piers Paul Read, biógrafo oficial do Guinness, duvida que este incidente realmente ocorreu. Ele acredita que a Guinness foi confundido com John Gielgud, que estava notoriamente preso por tal ato, em 1953.
Enquanto servia na Marinha Real, Guinness tinha planejado para se tornar um sacerdote anglicano. No entanto, em 1954, enquanto ele estava filmando Pai Brown na Borgonha, Guinness, que estava no traje como um padre católico, foi confundido com um padre de verdade por uma criança local. Guinness estava longe de ser fluente em francês, ea criança, aparentemente, não percebeu que Guinness não o entendia, mas pegou sua mão e conversavam enquanto os dois caminhavam; a criança, em seguida, acenou e afastou-se.  A confiança e carinho o traje clerical apareceu para inspirar no menino deixou uma profunda impressão no ator.  Quando seu filho estava doente com a poliomielite na idade de onze anos, começou Guinness visitar uma igreja para rezar.  Alguns anos mais tarde, em 1956 Guinness convertido à Igreja Católica Romana. Sua esposa seguiu o exemplo em 1957, enquanto ele estava no Sri Lanka filmando A Ponte do Rio Kwai, e ela informou-o somente após o evento.  Todas as manhãs, Guinness recitou um versículo do Salmo 143: "Faze-me ouvir seu amor bondade da manhã ".
Guinness morreu em 5 de Agosto de 2000, de câncer no fígado, em Midhurst em West Sussex.  Ele vinha recebendo tratamento hospitalar para o glaucoma, e tinha sido recentemente também diagnosticado com câncer de próstata. Ele foi enterrado em Petersfield, Hampshire. Sua viúva, Lady Guinness, morreu de câncer aos Petersfield, dois meses após seu marido, também aos 86 anos,  e foi enterrado ao lado de seu marido de 62 anos.
Guinness escreveu três volumes de uma autobiografia best-seller, começando com Blessings in Disguise, em 1985, seguido por meu nome me escapa, em 1996, e uma aparência Positivamente final em 1999. Ele gravou cada um deles como um audiobook. Pouco depois de sua morte, Lady Guinness perguntou amigo próximo do casal e companheiro Católica, escritor Piers Paul Read, para escrever a biografia oficial do Guinness. Foi publicado em 2002.

Atores Hollywoodianos

Alfredo James "Al" Pacino (Nova Iorque, 25 de abril de 1940) é um ator e cineasta norte-americano. É mais conhecido por interpretar mafiosos, especialmente Michael Corleone na série de filmes The Godfather e Tony Montana em Scarface, e muitas vezes interpretou personagens do outro lado da lei — como um policial, um detetive ou um advogado.
Ganhou o Oscar de Melhor Ator no 65ª Prêmio da Academia por sua atuação como Frank Slade em Scent of a Woman. Antes de sua vitória já havia recebido sete indicações ao Oscar, incluindo uma naquele mesmo ano.
Fez sua estreia no cinema em 1969 no filme Me, Natalie em um papel menor de apoio, antes de atuar o papel principal no drama The Panic in Needle Park, de 1971. O grande avanço de sua carreira veio em 1972, com o papel de Michael Corleone em The Godfather, que lhe rendeu uma indicação ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante. Suas outras indicações ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante foram por Dick Tracy e Glengarry Glen Ross. Suas indicações ao Oscar de Melhor Ator Principal incluem The Godfather: Part II, Serpico, Dog Day Afternoon e ...And Justice for All.
Além de sua carreira no cinema, tem desfrutado de uma carreira de sucesso nos palcos, ganhando os Prêmios Tony por Does a Tiger Wear a Necktie? (1969) e The Basic Training of Pavlo Hummel (1977). Fã de longa data de Shakespeare, fez sua estreia na direção com Looking for Richard, um quase-documentário sobre a peça Richard III. Al Pacino recebeu inúmeros prêmios pelo conjunto da obra durante sua vida, incluindo um do American Film Institute. É um ator do método, tendo recebido aulas principalmente de Lee Strasberg e Charles Laughton no Actors Studio, em Nova Iorque...Al Pacino nasceu em Manhattan, Nova Iorque, filho dos ítalo-americanos Salvatore Pacino e Rose, que se divorciaram quando tinha dois anos. Sua mãe mudou-se para perto do zoológico do Bronx para viver com seus pais, Kate e James Gerardi, que, por coincidência, tinham vindo de uma cidade na Sicília chamada Corleone. Seu pai Salvatore mudou-se para Covina, Califórnia, e trabalhou como vendedor de seguros e restaurateur.
Em seus anos de adolescência "Sonny", como era conhecido pelos amigos, visava se tornar um jogador de beisebol, e também foi apelidado de "O Ator". Al Pacino abandonou muitas aulas, mas não as de inglês. Ele abandonou a escola aos 17 anos. Sua mãe não concordou com a decisão; eles discutiram e ele fugiu de casa. Trabalhou em empregos de baixa remuneração como mensageiro, garçom, zelador e funcionário dos correios, para financiar seus estudos de atuação. Já trabalhou na sala de correspondência da revista Commentary.
Começou a fumar e beber com nove anos de idade, e tomou-se usuário ocasional de maconha aos treze, mas nunca usou drogas pesadas. Seus dois melhores amigos morreram devido o abuso de drogas com 19 e 30 anos. Crescendo no Bronx, se envolvia em brigas ocasionais e foi considerado como um causador de problemas na escola.
Atuou em peças teatrais de garagem de Nova Iorque, mas foi rejeitado pelas Actors Studio, quando adolescente. Al Pacino, em seguida, se juntou ao Herbert Berghof Studio (HB Studio), onde conheceu o professor de atuação Charlie Laughton (não confundir com o ator britânico Charles Laughton), que se tornou seu mentor e melhor amigo. Nesse período, ficou muitas vezes desempregado e sem-teto, e às vezes dormia na rua, nos cinemas, ou na casa de amigos.
Em 1962, sua mãe morreu com 43 anos de idade. No ano seguinte, seu avô James Gerardi, uma das pessoas mais influentes em sua vida, também faleceu.
Nos fins da década de 1960 estudou sob a supervisão de Lee Strasberg, descobrindo com isso a terapia para uma juventude deprimida e pobre, em que mal tinha dinheiro para apanhar o transporte para as audições. O seu talento falou mais alto, tendo ganho um Obie Award pela sua interpretação em palco de The Indian Wants the Bronx e um Tony Award por Does the Tiger Wear a Necktie?. O seu primeiro trabalho no grande ecrã foi “Me Natalie” em 1969, mas seria em 1971 com o seu trabalho The Panic in Needle Park que o seu talento viria ao de cima, tendo ganho a atenção do realizador Francis Ford Coppola.
A sua ascensão meteórica surgiu após ter desempenhado o papel de Michael Corleone no filme clássico sobre a máfia de Francis Ford Coppola, The Godfather de 1972. Embora muitos actores consagrados pretendessem este papel, Coppola escolheu o então relativamente desconhecido Pacino para o desempenhar. A sua actuação rendeu-lhe uma nomeação para o Óscar de melhor ator (coadjuvante/secundário) e até aos finais da década de 1970 conseguiu ainda mais quatro nomeações, todas elas para melhor actor, incluindo a actuação da continação de Godfather, The Godfather: Part II em 1974.
Apesar de ter tido mais algumas nomeações, somente em 1993 Pacino conseguiria alcançar o almejado prémio com o filme “Scent of a woman” de Martin Brest, no qual desempenha o papel de um militar reformado, cego e com um feitio irascível; para além de ter ganho o Óscar de melhor ator, foi também cogitado para a indicação de melhor ator (coadjuvante/secundário) com o filme Glengarry Glen Ross. O feito de Al Pacino só iria ser repetido em 2005, quando o ator Jamie Foxx ganhou o prêmio de melhor ator pela atuação no filme Ray, o qual interpretava o cantor americano Ray Charles, e foi indicado a melhor Ator (coadjuvante/secundário) pelo filme "Collateral", no qual interpretava o papel de um motorista de táxi a serviço de um homicída interpretado por Tom Cruise. Aproximou-se, também, do feito de Al Pacino e Jamie Foxx a atriz Julianne Moore, que em 2003 foi indicada às duas categorias, não tendo no entanto, de qualquer da vezes, conseguido ganhar nenhum deles.
Depois dessas nomeações, Pacino nunca mais foi nomeado para qualquer dos prémios; no entanto, conseguiu vencer dois Globos de Ouro.
Na década de 1980, a carreira de Pacino entrou numa curva descendente, com as suas actuações em Cruising e Author! Author!, a não serem muito apreciadas pela crítica. No entanto, conseguiu mais uma nomeação para os Globos de Ouro com o filme Scarface, onde representa o papel de um barão da droga cubano.
No violentíssimo filme de Brian De Palma, ele contracena pela primeira vez com Michelle Pfeiffer. Em 1992 eles voltariam a trabalhar juntos em Frankie & Johnny, dirigidos por Garry Marshall.
O reverso da medalha surge em 1985, com o filme Revolution, a ser considerado por alguns como a sua pior actuação de sempre, o que o levou de volta para o teatro nos quatro anos seguintes. Em 1989 regressou com Sea of Love, seguido de uma série de excelentes interpretações em Carlito’s Way, Heat, Donnie Brasco e The Recruit.
Pacino continua a fazer teatro e começou a sua carreira como realizador, e embora o seu primeiro filme (The Local Stigmatic) continue por editar, os seus outros dois trabalhos (Looking for Richard e Chinese Coffee) foram bastante aclamados.

Atores Hollywoodianos

Clinton "Clint" Eastwood, Jr. (São Francisco, 31 de maio de 1930) é um ator, cineasta e produtor dos Estados Unidos famoso pelos seus papéis típicos em filmes de ação como um cara durão e anti-herói, principalmente como o Homem sem nome da Trilogia dos Dólares nos filmes western spaghetti de Sergio Leone dos anos 60, e interpretando o Inspetor 'Dirty' Harry Callahan na série de filmes Dirty Harry, das décadas de 1970 e 1980.
Como diretor, seus filmes têm tido criticas positivas. Ganhou quatro vezes o Oscar — duas cada como Melhor Diretor e de Melhor Filme —, e foi homenageado em 1995, recebendo o Prêmio Memorial Irving G. Thalberg em reconhecimento à sua longa carreira no cinema. Por duas vezes foi eleito o ator favorito dos estadunidenses, e é o único ator da história do cinema a estrelar em filmes considerados de "grande sucesso" por cinco décadas consecutivas.
Eastwood também tem interesse na política. Membro do partido republicano desde 1951, Clint foi eleito prefeito de Carmel-by-the-Sea, Califórnia, onde permaneceu no cargo de 1986 até 1988. Em 2012, durante uma entrevista para o programa Ellen, declarou-se adepto do libertarismo...Eastwood nasceu em São Francisco (Califórnia), filho de Margaret Ruth (1909-2006) (nome de casada: Runner) e Clinton Eastwood (1906-1970), um operário metalúrgico. Ele tem ascendência escocesa, inglesa, alemã e irlandesa. Sua família era de classe média e protestante. Trabalhou em várias profissões, assim como seu pai, por toda a costa oeste norte-americana.9 Durante sua adolescência, morou em Piedmont, uma pequena cidade californiana, e em 1949 realizou seu sonho de se formar na Universidade de Oakland. Após o término da faculdade, trabalhou como atendente em um posto de gasolina, foi bombeiro e tocou piano em um bar de Oakland. Foi convocado ao exército em 1950, mas seu avião caiu em São Francisco. Ele escapou gravemente ferido e ficou por meio ano prestando depoimentos para a investigação sobre a causa da queda. Este acidente fez com que não fosse para a Guerra da Coreia. e pai de Scott Eastwood, também ator......Eastwood começou sua carreira como ator, fazendo pequenas aparições em filmes pequenos, como Revenge of the Creature, Tarantula e Francis in the Navy. Em 1958, ele conseguiu seu primeiro papel oficial no filme, Ambush at Cimarron Pass, o qual considerou um filme muito fraco. Em 1959, ele trabalhou com James Garner em um episódio da série Maverick. Após isso, Eastwood se dedicou somente a trabalhar na televisão com a série de western Rawhide, na qual interpretava o personagem Rowdy Yates (que Eastwood na época descreveu como "O idiota das Planícies").
Eastwood somente começou a ter destaque após interpretar o misterioso Homem sem nome na trilogia dos dólares de Sergio Leone. Os filmes Por um punhado de dólares (1964), Por uns dólares a mais (1965), e Três Homens em Conflito (1966) foram um verdadeiro sucesso em terras italianas e norte-americanas, em especial o último, que fez Eastwood se tornar famoso mundialmente.
Em Where Eagles Dare (1968) ele dividiu o papel principal com Richard Burton. Seu salário chegou a 800 000 dólares. No mesmo ano, estrelou no filme dirigido por Don Siegel de nome Coogan's Bluff. Neste, Clint desempenhava um xerife de uma pequena cidade que tentava colocar a lei na grande Nova Iorque. O filme foi controverso por sua apelação à violência, mas iniciou uma parceria que duraria por mais de dez anos com Siegel. Em 1969, Clint trabalhou em outro filme musical, chamado Paint Your Wagon. O filme deu grande prejuízo para o estúdio na época, e só lucrou após ser vendido em VHS e DVD.
No começo dos anos 70, o filme de guerra Kelly's Heroes e o western dirigido por Don Siegel Two Mules for Sister Sara combinaram comédia com ação. Em The Beguiled, novamente com direção de Siegel, Clint interpreta um soldado da união durante a Guerra Civil, gravemente ferido que é salvo à beira da morte por uma adolescente. A garota leva-o para a escola onde mora, um internato feminino, fazendo com que as professoras e as colegas entrem em pânico pelo perigo de manter um inimigo em casa. À medida que o rapaz se recupera, a vaidade das moças se aguça, provocando intrigas e transformando o ambiente. Mas o principal passo para Eastwood se tornar uma estrela de Hollywood veio em 1971 quando ele montou sua companhia de filmes, e decidiu dirigir seu primeiro filme. Play Misty for Me foi um suspense sobre um radialista que vivia perseguido por uma fã. Um dos maiores sucessos da carreira de Clint viria com o inspetor policial Harry Callahan em Dirty Harry, que é considerado o melhor filme de Siegel. O amargo e mal-humorado Callahan fez com que o filme fosse um sucesso absoluto de bilheteria nos Estados Unidos. Dirty Harry originou várias sequências, sempre com altos lucros: Magnum Force (1973), The Enforcer (1976), Sudden Impact (1983) e The Dead Pool (1988).
Eastwood fez dois importantes filmes de western durante a década de 70. High Plains Drifter (1973) e The Outlaw Josey Wales (1976). O primeiro trazia um personagem estranho e sem nome, o qual muitos acreditam que seria uma reencarnação do homem sem nome da Trilogia dos dólares. Além disso, tinha os mesmo hábitos e costumes,
Breezy de 1973 foi o primeiro filme em que Eastwood dirigiu mas não atuou como ator. A estrela principal foi William Holden. Em 1974, Eastwood fez dupla com o jovem Jeff Bridges em Thunderbolt and Lightfoot. O filme foi produzido e dirigido por Michael Cimino, o mesmo escritor do filme Magnum Force.
Em 1975, Clint dirigiu e fez o personagem principal em The Eiger Sanction. O filme utilizou as últimas tecnologias da época, mas não fez tanto sucesso como o planejado.
Eastwood estrelou no filme The Gauntlet, produzido em 1977. Clint fazia o interpretava um policial que deveria escoltar uma prostituta de Las Vegas até Los Angeles para testemunhar contra um assassino.
Em 1978, Clint estrelou Every Which Way But Loose uma comédia baseada em uma história de um caminhoneiro e lutador. O filme teve enorme sucesso e foi aclamado por críticos de todo mundo. Com a popularidade em alta, ganhou uma sequência, de nome Any Which Way You Can. Entre estes dois filmes, foi produzido o western Bronco Billy que contou além de Clint com Merle Haggard.
Em 1979, Eastwood fez o papel de Frank Morris no filme Escape from Alcatraz. Foi baseado na vida do fugitivo que estudou e planejou a fuga perfeita de Alcatraz em 1962. Morris nunca mais foi visto, e os agentes do FBI acreditam que ele se afogou durante a saída da prisão, embora ninguém nunca tenha encontrado algo que prove essa teoria.
Em 1982, Eastwood estrelou, produziu e dirigiu o filme Firefox que tratava da guerra fria. No final do mesmo ano foi produtor executivo do filme Thelonious Monk: Straight, No Chaser, que retratava a vida de Thelonious Monk. No filme Tightrope, de 1984, fez o papel de Wes Block. O filme se passava na cidade de Nova Orleans. No mesmo ano, Clint fez o papel de tenente Speer na comédia City Heat. Um ano depois, Eastwood reviveu o gênero western dirigindo e estrelando o filme Pale Rider, interpretando um pregador. Em 1986 voltou para fazer o longa Heartbreak Ridge, em que relata a invasão de Granada. O último filme da série Dirty Harry foi feito em 1988, com o título The Dead Pool. Este não se comparou com o sucesso dos filmes anteriores em termos de bilheteria.19 Eastwood alternou entre filmes de comédia como Pink Cadillac e de ação como The Rookie, e fez longas com assuntos pessoais como em Bird, de 1988, que lhe deu uma indicação Palma de Ouro no Festival de Cannes. No final dos anos 80, Clint estrelou e dirigiu o filme White Hunter Black Heart, no qual fazia um papel inspirado em John Huston. O filme recebeu boa aceitação dos críticos.
No início dos anos 90, Eastwood dirigiu e estrelou seu último western, Unforgiven, onde teve o papel de um pistoleiro aposentado. O filme co-estrela os atores Gene Hackman, Morgan Freeman e Richard Harris. Após um imenso sucesso de bilheteria,20 foi nomeado a nove Oscares e ganhou quatro, incluindo os de melhor filme e melhor diretor.
Em 1993, Clint fez o papel de um ex-agente do FBI no longa In the Line of Fire dirigido por Wolfgang Petersen. O filme foi um dos dez mais vistos do ano na época. Eastwood dirigiu e estrelou com Kevin Costner em A Perfect World. Ele continuou a expandir seus conhecimentos em Hollywood após o longa-metragem The Bridges of Madison County (1995), onde ele atuava com Meryl Streep. Baseado em um best-seller, foi também sucesso de bilheteria. Ainda em 1995, foi produtor do longa-metragem The Stars Fell on Henrietta. O trabalho seguinte seria dirigir o filme Midnight in the Garden of Good and Evil no ano de 1997. No mesmo ano dirigiu e estrelou "Absolute Power", um suspense co-estrelado por Gene Hackman, Ed Harris e Dennis Haysbert.
No início do ano 2000 lançou o filme Cowboys do Espaço, que também estrelava Tommy Lee Jones e Donald Sutherland. Clint fazia o papel de Frank Corvin, um ex-engenheiro da NASA que é chamado para uma última missão, salvar um satélite russo, antes que ele caia na Terra. Em 2002, Eastwood interpretou um ex-agente do FBI que perseguia um psicopata no filme Blood Work. Em 2003 dirigiu o filme Mystic River, pelo qual foi indicado a melhor diretor. Em 2004, Clint estrelou, produziu e dirigiu Million Dollar Baby. Com 74 anos, foi a pessoa mais idosa a receber o prêmio de melhor diretor. No mesmo filme, Eastwood foi nomeado a melhor ator, mas o prêmio foi para Jamie Foxx. No ano 2006, dirigiu dois filmes sobre a batalha de Iwo Jima na Segunda Guerra Mundial. O primeiro foi A Conquista da Honra, focado no homem que ergueu a bandeira dos Estados Unidos no topo do monte Suribachi. O segundo, Cartas de Iwo Jima, tratava das táticas japonesas, e as cartas que escreviam às suas famílias. Os dois filmes foram bem recebidos pelos críticos, e foram nomeados ao Oscar, incluindo melhor diretor e melhor filme por Cartas de Iwo Jima.
Em 2008, Eastwood dirigiu o filme Changeling, que trazia Angelina Jolie no papel principal. No ano seguinte, Eastwood estrelou o filme Gran Torino. Além de ser o protagonista, Clint dirigiu e produziu o longa. Foi lançado em janeiro de 2009, obtendo mais de 30 milhões de dólares na primeira semana de exibição nos Estados Unidos, fazendo de Clint o ator mais velho a conseguir um primeiro lugar em bilheterias. O longa ainda arrecadou mais de 245 milhões até abril de 2009, e é o filme com maior sucesso comercial da carreira de Eastwood.
Eastwood tem conquistado grandes elogios dos críticos como diretor. Seu primeiro trabalho foi no filme Play Misty for Me em 1971. Ele tentou dirigir um episódio da série americana Rawhide, mas seus pensamentos não combinavam com os do dono do estúdio, que acabou desistindo da oferta. Eastwood tornou-se popular por dirigir grandes filmes de drama, tais como Unforgiven, A Perfect World, Mystic River, Million Dollar Baby, Flags of Our Fathers, e Letters from Iwo Jima. No entanto, ele dirigiu longas em outros gêneros. Algumas de suas escolhas para dirigir um filme foram pessoais, outras comerciais.
Eastwood produziu a maioria de seus filmes, e destacou-se por quase todos serem de orçamento baixo. Ao longo dos anos, desenvolveu relações com outros diretores e produtores. Clint prefere trabalhar sempre com a mesma equipe de produtores, editores e técnicos. Tem uma longa relação com a Warner Bros., estúdio que financia a maioria de seus filmes. Mesmo assim, em 2004, Eastwood declarou ao The New York Times que tem certa dificuldade para fazer a Warner aceitar alguns de seus projetos, como aconteceu com Million Dollar Baby
Eastwood tem um total de oito nomeações ao Oscar. Venceu como melhor diretor e melhor filme em Unforgiven e Million Dollar Baby. Suas outras nomeações foram para Mystic River e Letters from Iwo Jima. Também foi nomeado a melhor ator em (Unforgiven e Million Dollar Baby). É a única pessoa a ser nomeada duas vezes a melhor diretor e ator no mesmo filme (Unforgiven e Million Dollar Baby).
É um dos cinco diretores em vida (junto com Ang Lee, Miloš Forman, Oliver Stone e Steven Spielberg) a ter ganho dois Oscares por melhor diretor.
Ele dirigiu dois atores, Tim Robbins e Morgan Freeman, que receberam o Oscar de melhor ator (coadjuvante/secundário) em dois anos seguidos. Robbins ganhou em 2003 por Mystic River e Freeman em 2004 pelo seu papel em Million Dollar Baby.
Eastwood recebeu inúmeros outros prêmios, incluindo prêmio America Now TV Award e também Kennedy Center Honors. Em 1994 recebeu o prêmio Irving G. Thalberg Memorial por carreira na indústria de cinema. Em 2006, recebeu nomeação ao Grammy na categoria de melhor trilha sonora pelo filme Million Dollar Baby. Recebeu o prêmio Valenti da MPAA pelos filmes Flags of Our Fathers e Letters from Iwo Jima por melhor edição de sons.
Em 6 de dezembro de 2006, o governador da Califórnia, Arnold Schwarzenegger, indicou Clint ao Hall da fama da Califórnia. No início de 2007, Eastwood foi condecorado como cidadão de honra na França. Na época, o presidente francês, Jacques Chirac, disse que Eastwood era "O melhor de Hollywood".
Em 22 de setembro de 2007, Clint Eastwood foi premiado como músico de honra no Berklee College of Music, em Monterey. Após receber o prêmio, ele discursou, e disse: "É uma das maiores honras que já tive".
Em janeiro de 2009, Eastwood recebeu o prêmio de melhor ator por seu papel em Gran Torino pela National Board of Review. No dia 29 de abril de 2009, o governo do Japão anunciou que Eastwood irá receber a Ordem do Sol Nascente.....
Eastwood foi casado duas vezes e tem cinco filhas e dois filhos, de cinco mulheres diferentes. Kimber (nascida em 1964), com Roxanne Tunis; Kyle (nascido em 1968) e Alison (nascida em 1972), no casamento com sua ex-esposa Maggie Johnson; Scott (nascido em 1986) e Kathryn (nascida em 1988), com a aeromoça Jacelyn Reeves; Francesca Ruth (nascida em 1993), com Frances Fisher, e Morgan (nascida em 1996) com Dina Ruiz, relação que acabou em 2013. Viveu com a atriz Sondra Locke de 1976 a 1988, sem terem filhos.
Eastwood possui um campo de golfe, localizado em Carmel. O clube possui somente 300 membros, e a entrada custa 500 000 dólares americanos. É vice-presidente do mundialmente famoso Pebble Beach Golf Club. Eastwood também possui um rancho, um hotel e um restaurante na cidade de Carmel.
Eastwood é um audiófilo, conhecido pelo seu amor pelo jazz. Tem uma grande coleção de LPs. Seu interesse pela música, motivou seu filho Kyle a ser músico de jazz. Participa do instituto de defesa aos animais.
Clint tem dois netos: Clinton (filho de Kimber) e Graylen (filha de Kyle).
Eastwood foi prefeito da cidade americana de Carmel-by-the-Sea, no estado da Califórnia. A população era na época de aproximadamente 4000 pessoas e totalmente destinada a comunidade artística. No dia da eleição, 8 de abril de 1986, com o dobro de eleitores da votação passada, Eastwood obteve 72,5% dos votos. Seu salário era de 200 dólares americanos. Durante seu mandato, ele tentou ponderar os direitos de instituições de preservação do meio ambiente contra o desenvolvimento da cidade por empresas locais. Eastwood decidiu não concorrer para um segundo mandato em virtude do importante número de decisões necessárias para um prefeito de uma pequena cidade. Durante seu mandato, ele produziu os filmes Heartbreak Ridge e Bird.39
Eastwood com o Presidente Ronald Reagan no fim da década de 1980.
Clint é membro do partido republicano, ao qual é filiado desde 1951. Ajudou na campanha de Richard Nixon à presidência de 1968 e se descreve como libertário. Votou em Arnold Schwarzenegger para governador da Califórnia em 2003 e 2006.
Eastwood fez uma piada com Michael Moore, no jantar anual da National Board of Review em Janeiro de 2005. Clint disse: "Michael Moore e eu temos muito em comum, nós dois apreciamos viver em um país com grande liberdade de expressão. Mas Michael, se você chegar na frente da minha casa com uma câmera, eu irei matar você". Isso foi uma referência à controversa entrevista do amigo de Clint, Charlton Heston, no filme Bowling for Columbine.
Nas eleições presidenciais nos Estados Unidos da América em 2008, Clint fez campanha para John McCain.

Atores Hollywoodianos

Clark Gable (01 de fevereiro de 1901 - 16 de novembro de 1960) foi um ator de cinema norte-americano, muitas vezes referida como "The King of Hollywood" ou simplesmente como "The King"  Gable começou sua carreira como um ator de teatro e. apareceu como figurante em filmes mudos, entre 1924 e 1926, e avançou para papéis de apoio com alguns filmes para a MGM em 1931. No ano seguinte, ele conseguiu seu primeiro papel de liderança Hollywood e se tornou um homem de liderança em mais de 60 filmes ao longo da próxima três décadas.
Gable ganhou um Oscar de Melhor Ator por It Happened One Night (1934), e foi nomeado para papéis principais em Mutiny on the Bounty (1935) e pela sua, sem dúvida, o mais conhecido, papel de Rhett Butler no épico Tudo o Vento Levou (1939).
Gable também encontrou o sucesso comercialmente e criticamente com filmes como Red Dust (1932), Manhattan Melodrama (1934), San Francisco (1936), Saratoga (1937) Cidade Boom (1940), Os Hucksters (1947) Homecoming (1948) e The Misfits (1961), que era a sua aparição na tela final.
Gable apareceu ao lado de algumas das atrizes mais populares da época: Joan Crawford, que era sua atriz favorita para trabalhar,  foi uma parceria com Gable em oito filmes; Myrna Loy trabalhou com ele sete vezes, e ele foi emparelhado com Jean Harlow em seis produções. Ele também estrelou com Lana Turner em quatro características, e com Norma Shearer e Ava Gardner em três cada. O último filme de Gable, The Misfits (1961), o uniu com Marilyn Monroe (também em sua última aparição na tela). Gable é considerado um dos artistas de bilheteria mais consistentes na história, que aparece no anual Top Ten dinheiro de Quigley Publishing Fazer Estrelas de votações dezesseis vezes. Ele foi nomeado o sétimo maior tela macho americano lenda pelo American Film Institute...William Clark Gable nasceu em Cadiz, Ohio, para William Henry "Will" Gable (1870-1948), um óleo-perfurador de poços,  e sua esposa, Adeline ( 1869-1901  ). Ele foi nomeado William depois que seu pai, mas, mesmo na infância, ele foi quase sempre chamado Clark.  Ele foi erroneamente listado como uma mulher em sua certidão de nascimento. Entre os antepassados ​​de Gable foram Pennsylvania Dutch (alemão), Africano-americano, nativo americano, Rhinelanders e bávaros, bem como, possivelmente, Ashkenazi Naftalites.  Quando ele tinha seis meses de idade, sua mãe lhe tinha batizado como católico. Ela morreu quando ele tinha 10 meses de idade, Possivelmente, de um tumor cerebral. O pai de Gable se recusou a criá-lo como um católico, provocando críticas e um desprezo do lado de sua mãe da família. A disputa foi resolvida quando a família de seu pai concordou em permitir que Gable para passar o tempo com seu tio, Charles Hershelman, e sua esposa em sua fazenda em Vernon Township, Pensilvânia.
Em abril 1903 o pai de Gable se casou com Jennie Dunlap (1874-1924), cuja família veio da pequena cidade vizinha de Hopedale. Casamento de Will para Jennie não produziu meios-irmãos ou irmãs para Clark. Gable era uma criança de altura, tímido com grande voz. Depois que seu pai comprou um terreno e construiu uma casa, a nova família se estabeleceu em Jennie tocava piano e deu-lhe lições stepson em casa.; mais tarde ele assumiu instrumentos de bronze. Ela levantou Gable para ser bem-vestido e bem preparado; ele se destacou dos outros miúdos. Gable era muito inclinado mecanicamente e gostava de tirar a roupa e reparar carros com seu pai. Aos treze anos ele era o único menino em banda cidade dos homens. Mesmo que seu pai insistiu em Gable fazer as coisas "masculinos", como a caça eo trabalho físico duro, Gable amado idioma. Entre empresa confiável, ele recitava Shakespeare, particularmente os sonetos. Será Gable estava de acordo para comprar um conjunto de volumes de setenta e duas de grande literatura mundial para melhorar a educação de seu filho, mas alegou que ele nunca viu seu filho usá-lo.  Em 1917, quando Gable estava no colégio, seu pai teve financeira dificuldades. Será que decidiu liquidar as suas dívidas e tentar sua mão em agricultura e sua família se mudou para Ravenna, Ohio, perto de Akron. Ele teve problemas para se estabelecer na área. Apesar da insistência de seu pai que ele trabalhar na fazenda, Gable logo deixou de trabalhar na fábrica de pneus BF Goodrich de Akron.
Aos dezessete anos, Clark Gable foi inspirado a ser um ator depois de ver o jogo The Bird of Paradise, mas ele não foi capaz de fazer um começo real até que ele completou 21 anos e herdou algum dinheiro. Até então sua madrasta Jennie havia morrido e seu pai mudou-se para Tulsa para voltar para o negócio do petróleo. Ele viajou em sociedades por ações, bem como trabalhar os campos de petróleo e como gerente de cavalo. Gable encontrou trabalho com várias companhias de teatro de segunda classe e, portanto, fez o seu caminho através do Midwest ao beira-mar, Oregon, funcionando como um madeireiro e Portland, Oregon, onde ele então pegou o trabalho como vendedor de gravatas na loja de departamentos Meier & Frank. Lá, ele conheceu Crews Laura Esperança, um palco e atriz de cinema, que o encorajou a voltar ao palco e em outra companhia de teatro. Muitos anos mais tarde Crews iria jogar tia Pittypat em E o Vento Levou (1939)
Seu treinador agindo era um gerente de teatro em Portland chamada Josephine Dillon, que era 17 anos mais velha que ele. Ela pagou para ter seus dentes reparado e seu cabelo estilo. Ela guiou-o na construção de seu corpo cronicamente subnutridas, e ensinou-lhe melhor controle do corpo e postura. Ela passou um tempo considerável treinar seu naturalmente estridente voz, que Gable lentamente conseguiu diminuir, e para ganhar a melhor ressonância e tom. Como seus hábitos de fala melhorou, as expressões faciais de Gable se tornou mais natural e convincente. Após o longo período de treinamento rigoroso, Dillon, eventualmente, considerou-o pronto para tentar uma carreira no cinema.
Em 1924, com a ajuda financeira de Dillon, os dois foram para Hollywood, onde ela se tornou seu empresário e primeira esposa. Ele mudou seu nome artístico de WC Gable de Clark Gable.  Ele encontrou trabalho como figurante em filmes silenciosos como Erich von Stroheim é A Viúva Alegre (1925), The Age Plastic (1925), estrelado por Clara Bow, Paraíso Proibido (1924), estrelado por Pola Negri, além de uma série de comédias de dois carretel chamado The Pacemakers. Por coincidência ele apareceu como figurante em Fox do The Johnstown Flood (1926) e também aparecendo como um extra no filme foi de 17 anos de idade Carole Lombard, mas eles não estavam na mesma cena. Gable também apareceu como um jogador pouco em uma série de curtas.
No entanto, ele não foi oferecido qualquer principais papéis em Hollywood e então ele voltou ao palco. Ele tornou-se amigos de longa data com Lionel Barrymore, que apesar de sua berrando Gable fora para agir amador inicialmente, pediu Gable para prosseguir uma carreira no palco, Durante a temporada 1927-1928 teatro, Gable agiu com Laskin Irmãos Stock Company, em Houston, onde ele desempenhou muitos papéis, ganhou experiência considerável e se tornou um ídolo local. Gable, em seguida, mudou-se para Nova York e Dillon procuraram trabalho para ele na Broadway. Ele recebeu boas críticas em machinal; "Ele é jovem, vigoroso e brutalmente masculino", escreveu o crítico no Telegraph Manhã.  O início da Grande Depressão eo início do cinema falado causou o cancelamento de muitos jogos na temporada 1929-1930 e trabalho na qualidade tornou-se mais difícil ganhar.
Em 1930, depois de sua aparência impressionante como o fervilhante e caráter desesperado assassino Mears na produção teatral de Los Angeles de The Last Mile, Gable foi oferecido um contrato com a MGM. Seu primeiro papel em uma imagem de som foi como o vilão barba por fazer em um baixo orçamento William Boyd ocidental chamado The Painted Desert (1931). Ele recebeu um monte de cartas de fãs, como resultado de sua voz poderosa e aparência; o estúdio tomou conhecimento.
Em 1930, Gable e Josephine Dillon eram divorciados. Poucos dias depois, ele se casou com Maria Texas socialite Franklin Prentiss Lucas Langham, apelidado de "Ria". Depois de se mudar para a Califórnia, eles se casaram novamente em 1931, possivelmente devido a diferenças nos requisitos legais estaduais. "Suas orelhas são grandes demais e ele se parece com um macaco", disse Darryl F. Zanuck executivo, em seguida, na Warner Bros., cerca de Clark Gable depois de testá-lo para a liderança no drama de gangster do estúdio Little Caesar (1931).  No mesmo ano, na Night Nurse, Gable teve um motorista vilão que foi gradualmente morrendo de fome duas adoráveis ​​meninas até a morte, em seguida, bateu o personagem de Barbara Stanwyck inconsciente com o punho, um papel de apoio originalmente agendado para James Cagney até o lançamento do The Public Enemy abruptamente Cagney fez um homem de liderança. Depois de vários testes de tela com falha para Barrymore e Zanuck, Gable foi assinado em 1930 por Irving Thalberg da MGM. Ele tornou-se um cliente de agente bem conectado Minna Wallis, irmã do produtor Hal Wallis e um amigo muito próximo de Norma Shearer. O tempo de Gable em chegar em Hollywood foi excelente, como MGM estava olhando para expandir sua estável de estrelas masculinas e ele carpete o Bill. Gable primeiro trabalhou principalmente em papéis coadjuvantes, muitas vezes como o vilão. Ele fez dois retratos em 1931 com Wallace Beery, um papel de apoio em The Secret Six, em seguida, com sua parte aumentando de tamanho a quase igualar Beery de nos aviação naval Divers Inferno filme. No estúdio de Gable gerente de publicidade da MGM Howard Strickling desenvolvido, jogando para cima suas experiências He-Man e seu 'lenhador na noite roupas' persona.
Para reforçar sua crescente popularidade, MGM frequentemente emparelhado-lo com estrelas femininas bem estabelecidos. Joan Crawford pediu para ele como sua co-estrela em Dança, Fools, Dance (1931). Ele construiu sua fama e visibilidade pública em filmes como Uma Alma Livre (1931), no qual ele interpretou um gangster que empurrou a personagem interpretada por Norma Shearer (Gable nunca jogou um papel de apoio novamente). O Hollywood Reporter escreveu "Uma estrela na factura foi feita, que, a nosso acerto de contas, vai outdraw qualquer outra estrela ... audiências Nunca vimos trabalhar-se em tal entusiasmo como quando Clark Gable caminhadas na tela".  Ele seguiu com Susan Lenox (Sua queda ea ascensão) (1931), com Greta Garbo, e Possessed (1931), no qual ele e Crawford (então casada com Douglas Fairbanks, Jr.) cozinhado acima da tela. Adela Rogers St. Johns mais tarde apelidado de relacionamento na vida real do Gable e Crawford como "o caso que quase queimou Hollywood para baixo".  Louis B. Mayer ameaçou rescindir os seus contratos de ambos, e por um tempo eles mantiveram afastados. Gable deslocou suas atenções para Marion Davies. Por outro lado, não gostou do frontão e Garbo uns aos outros. Ela pensou que ele era um ator de madeira, enquanto ele a considerava uma esnobe.
Gable foi considerado para o papel de Tarzan, o Homem Macaco mas perdeu para Johnny Weissmuller do físico mais imponente e natação proeza superior. No entanto, o ato sexual com barba por fazer de Gable com braless Jean Harlow em Red Dust (1932) logo fizeram dele o mais importante estrela masculina da MGM. Depois do hit Hold Your Man (1933), MGM reconheceu a mina de ouro do emparelhamento Gable-Harlow, colocando-os em mais dois filmes, China Seas (1935; com Gable e Harlow faturado acima Wallace Beery) e esposa vs. Secretário (1936) com Myrna Loy e James Stewart. Uma combinação muito popular, na tela e fora da tela, Gable e Jean Harlow fez seis filmes juntos, sendo os mais notáveis ​​Red Dust (1932) e Saratoga (1937). Harlow morreu durante a produção de Saratoga. Noventa por cento concluída, as cenas restantes foram filmados com chutes de longa distância ou a utilização de duplas como Mary Dees; Gable diria que ele sentiu como se estivesse "nos braços de um fantasma".
Segundo a lenda, Gable foi emprestado para a Columbia Pictures, então considerada uma operação de segunda categoria, como punição por se recusar papéis; no entanto, este foi refutada por biografias mais recentes. MGM não tinha um projeto pronto para Gable e estava a pagar-lhe US $ 2.000 por semana, sob o seu contrato, para não fazer nada. Chefe do estúdio Louis B. Mayer emprestou-lhe a Columbia para US $ 2.500 por semana, fazendo um US $ 500 por semana lucro.
Gable não foi a primeira escolha para interpretar o papel principal de Peter Warne em It Happened One Night (1934). Robert Montgomery foi originalmente oferecido o papel, mas ele sentiu que o roteiro era pobre. As filmagens começaram em uma atmosfera tensa, mas ambos Gable e Frank Capra gostava de fazer o filme, embora supostamente Colbert não o fez. Gable e Colbert ganhou o Oscar de Melhor Ator e Melhor Atriz por suas atuações no filme eo próprio filme ganhou o Oscar de Melhor Filme. Ele voltou para a MGM uma estrela maior do que nunca.
Gable fez três fotos com Spencer Tracy, que impulsionou a carreira de Tracy e cimentou-los na mente do público como uma equipe. San Francisco (1936) contou com Tracy em um papel breve mas indicado ao Oscar, no qual interpretou um padre que bate Gable, até então principal protagonista do estúdio, para baixo em um ringue de boxe. Apesar de estar na tela por apenas 17 minutos, a aparência imediatamente catapultou Tracy, cuja carreira perambulou durante anos, apesar entregando performances soberbas em filmes de qualidade, em grande estrelato na esteira do quadro tornar-se a maior atração de bilheteria do ano. Test Pilot (1938) deu Tracy uma peça de suporte maior à medida que o amigo agonizante de piloto glamourosa do Gable enquanto Boom Town (1940) mostrava um rivalidade épica entre Gable e personagens de Tracy sobre Claudette Colbert e seus negócios de petróleo. Cada par foi um fenômeno de bilheteria. MGM tinha uniram Tracy com Gable de dois em dois anos, até que Tracy finalmente insistiu em uma cláusula faturamento de estrela em seu contrato, que termina quaisquer outras colaborações Gable-Tracy.
Apesar de sua relutância em fazer o papel, Gable é mais conhecido por sua atuação em E o Vento Levou (1939), pelo qual ele ganhou um Oscar de Melhor Ator nomeação. Carole Lombard pode ter sido o primeiro a sugerir que ele jogar Rhett Butler (e ela jogar Scarlett), quando ela comprou-lhe uma cópia do best-seller, que ele se recusou a ler.
Última linha de Butler em E o Vento Levou, "Francamente, querida, eu não dou a mínima", é uma das linhas mais famosas da história do cinema. Gable era um favorito quase imediato para o papel de Rhett com tanto o público como produtor David O. Selznick. Mas desde que Selznick não tinha estrelas masculinas sob contrato de longo prazo, ele precisava passar pelo processo de negociação para emprestar um ator de outro estúdio. Gary Cooper foi a primeira escolha de Selznick.  Quando Cooper recusou o papel de Butler, ele foi citado como dizendo, "Gone With the Wind vai ser o maior fracasso na história de Hollywood. Estou feliz por ser o Clark Gable a quebrar plana em seu nariz, não eu. " Até então, tinha-se tornado Selznick determinado a contratar Gable, e começou a procurar uma maneira de pegá-lo emprestado de Metro-Goldwyn-Mayer. Gable foi cuidadoso de potencialmente decepcionante um público que tinha decidido que ninguém mais poderia fazer o papel. Mais tarde, ele admitiu: "Eu acho que sei agora como uma mosca deve reagir depois de ser pego em uma teia de aranha."
Por todas as contas, Gable se dava bem com seus colegas de elenco durante as filmagens.  Gable era grande amigo de atriz Hattie McDaniel, e ele mesmo caiu-lhe uma verdadeira bebida alcoólica durante a cena em que eles deveriam estar comemorando o nascimento da filha de Rhett e Scarlett. Gable tentou boicotar a estréia de Gone with the Wind, em Atlanta, Georgia, porque o McDaniel Africano-Americano não foi autorizado a participar. Ele teria só fui depois que ela implorou-lhe para ir. Gable permaneceram amigos com McDaniel, e ele sempre frequentou suas festas de Hollywood, especialmente quando ela estava levantando fundos durante a Segunda Guerra Mundial.
Gable não queria derramar lágrimas para a cena depois de Rhett inadvertidamente faz com Scarlett para abortar seu segundo filho. Olivia de Havilland o fez chorar, mais tarde, comentando, "... Oh, ele não faria isso. Ele não faria isso! Victor (Fleming) tentou de tudo com ele. Ele tentou atacá-lo em um nível profissional. Nós tínhamos feito isso sem chorando várias vezes e, depois, teve uma última chance. Eu disse, 'Você pode fazer isso, eu sei que você pode fazê-lo e você vai ser maravilhoso ... "Bem, pelo céu, pouco antes das câmeras rodavam, você poderia ver as lágrimas vêm-se em seus olhos e ele jogou a cena inesquecível bem. Ele colocou todo o seu coração para ele. "
Décadas mais tarde, Gable disse que sempre que sua carreira iria começar a desaparecer, um re-lançamento de Gone with the Wind em breve relançar sua popularidade, e ele continuou como um ator principal superior para o resto de sua vida.
O casamento de Gable em 1939 para sua terceira esposa, a atriz Carole Lombard (1908-1942), foi o período mais feliz de sua vida pessoal. Eles se conheceram durante as filmagens de 1932 de No Man of Her Own, quando Lombard ainda estava casada com o ator William Powell, mas o romance não decolou até 1936. Tornaram-se reencontrarão em uma festa e logo eram inseparáveis, citado em revistas de fãs e tablóides como um casal oficial. Gable prosperou sendo em torno de personalidade jovem, charmoso, e franco de Lombard, uma vez afirmando: "Você pode confiar que pouco screwball com sua vida ou suas esperanças ou seus pontos fracos, e ela nem sequer sabe como pensar sobre deixar você para baixo."  Lombard, por sua vez, parecia ganhar estabilidade pessoal e uma vida familiar contente que antes ela não possuía. Ela aprendeu sozinha a caçar e pescar e acompanhado Gable em viagens com seus companheiros de caça.
Mas Gable, que ainda estava legalmente casado, prolongou um divórcio longo e caro de sua segunda esposa Ria Langham. Seu salário de Gone with the Wind lhe permitiu chegar a um acordo de divórcio com Langham, no entanto, em 7 de março de 1939. Em 29 de março, durante uma pausa na produção Gone with the Wind, Gable e Lombard se casaram em Kingman, Arizona. Eles compraram uma fazenda anteriormente detida pelo diretor Raoul Walsh em Encino, Califórnia e fez dela a sua casa. Eles levantaram galinhas, cavalos, e tinha um zoológico de cães e gatos.
Em 16 de janeiro de 1942, Lombard era um passageiro em Trans-World Airlines Flight 3 com sua mãe e agente de imprensa Otto Winkler. Ela tinha acabado de terminar seu filme 57, ser ou não ser, e estava a caminho de casa a partir de uma ligação de guerra de venda bem sucedida turnê quando DC-3 avião de passageiros do vôo se chocou contra uma montanha perto de Las Vegas, Nevada, matando todos os 22 passageiros a bordo , incluindo 15 soldados a caminho de formação na Califórnia. Gable voou para o local do acidente para reclamar os corpos de sua esposa, mãe-de-lei, e Winkler, que tinha sido o melhor homem em Gable e do casamento de Lombard. Lombard foi declarado ser a primeira vítima do sexo feminino americana relacionada com a guerra da Segunda Guerra Mundial, e Gable recebeu uma nota de condolência pessoal do presidente Roosevelt. O inquérito Civil Aeronautics Board sobre o acidente concluiu que erro do piloto foi a sua causa.
Gable voltou para o seu e Lombard do rancho Encino e realizou seus desejos fúnebres como ela tinha pedido em seu testamento. Um mês depois, ele voltou ao estúdio para trabalhar com Lana Turner no filme Em algum lugar eu vou encontrá-lo. Tendo perdido £ 20 desde a tragédia, era evidente que Gable estava fisicamente e emocionalmente devastada por ela. Mas Turner afirmou que Gable permaneceu um profissional para a duração das filmagens. Ele agiria em mais 27 filmes e se casar novamente mais duas vezes. "Mas ele nunca foi o mesmo", disse Esther Williams. "Ele havia sido devastada pela morte de Carole."
Em 1942, após a morte de Lombard, Gable entrou para as Forças Aéreas do Exército dos Estados Unidos. Lombard tinha sugerido que Gable se alistar como parte do esforço de guerra, mas a MGM estava relutante em deixá-lo ir, e ele resistiu à sugestão. Gable fez uma declaração pública após a morte de Lombard que levou o general comandante do exército dos EUA Forças aéreas Henry H. "Hap" Arnold para oferecer Gable uma "missão especial" em artilharia aérea. Gable tinha manifestado anteriormente interesse em escola candidato oficial (OCS), mas ele se alistou em 12 de agosto de 1942, com a intenção de se tornar um artilheiro aéreo alistado em um bombardeiro. MGM arranjado por seu amigo de estúdio, o diretor de fotografia Andrew McIntyre, para alistar-se com ele e acompanhá-lo através da formação.
No entanto, pouco depois de seu alistamento, ele e McIntyre foram enviados para Miami Beach, Flórida, onde eles entraram USAAF OCS classe 42-E em 17 de agosto de 1942. Ambos formação concluído em 28 de Outubro de 1942, comissionado como segundo-tenente. Sua classe de cerca de 2.600 estudantes companheiros (da qual ele classifica cerca de 700 na classe em pé) selecionado Gable como seu presidente graduação, no qual o general Arnold apresentou os cadetes com suas comissões. Arnold, em seguida, informou Gable de sua missão especial: fazer um filme de recrutamento em combate com a Oitava Força Aérea para recrutar artilheiros aéreos. Gable e McIntyre foram imediatamente enviados para Flexible Gunnery Escola no Campo Tyndall, na Flórida, seguido por um curso de fotografia em Fort George Wright, Estado de Washington e promovido a primeiro tenentes em cima de sua conclusão.
Gable relatado para Biggs Army Air Base em 27 de Janeiro de 1943, para treinar com e acompanhar o grupo da bomba 351 para a Inglaterra como chefe de uma unidade de imagem em movimento de seis homens. Além de McIntyre, ele recrutou o roteirista John Lee Mahin; operadores de câmera SGTS. Mario Toti e Robert Boles; eo homem som Lt. Howard Voss para completar sua tripulação. Gable foi promovido a capitão, enquanto ele estava com o 351o Bomb Group em Pueblo Army Air Base, Colorado, um ranking proporcional a sua posição como um comandante de unidade. (As primeiras tenentes, ele e McIntyre teve igual antiguidade.)
Gable passou a maior parte de 1943 em Inglaterra na RAF Polebrook com o 351o Bomb Group. Gable voou cinco missões de combate, incluindo um para a Alemanha, como observador-artilheiro em B-17 Flying Fortress entre 04 de maio e 23 de setembro de 1943, ganhando a medalha de ar ea Distinguished Flying Cross por seus esforços. Durante uma das missões, as aeronaves Gable foi danificado pelo fogo antiaéreo e atacado por caças, que bateu para fora um dos motores e dispararam o estabilizador. No ataque a Alemanha, um tripulante foi morto e dois outros ficaram feridos, e à prova de balas atravessou a bota de Gable e por pouco não a cabeça. Quando a palavra desta atingido MGM, executivos do estúdio começou a atormentar as forças aéreas do exército de reafectação de sua tela ator mais valioso ao dever de consolidação. Em novembro de 1943, Gable retornou aos Estados Unidos para editar seu filme, apenas para descobrir que a falta de pessoal de artilheiros aéreos já tinha sido rectificado. Ele foi autorizado a completar o filme de qualquer maneira, juntando-se a Primeira Unidade de Imagem Movimento em Hollywood, Califórnia.
Em maio de 1944, Gable foi promovido a major. Ele esperava por uma outra atribuição de combate, mas, quando a invasão da Normandia veio e se foi em junho sem quaisquer outras ordens, Gable foi aliviado do serviço ativo como um dos principais em 12 de junho de 1944, a seu pedido, desde que ele foi sobre a idade para o combate. Seus documentos de quitação foram assinados pelo Capitão (mais tarde presidente dos Estados Unidos) Ronald Reagan. Gable concluída a edição do filme Combate América em setembro de 1944, dando-se a narração e fazendo uso de inúmeras entrevistas com artilheiros se alistou como foco do filme. Porque o seu cronograma de produção cinematográfica tornou impossível para ele cumprir funções de oficial de reserva , ele renunciou a sua comissão em 26 de Setembro de 1947, uma semana depois de a Força Aérea tornou-se um ramo de serviço independente.
Adolf Hitler favorecido Gable acima de todos os outros atores. Durante a Segunda Guerra Mundial, Hitler ofereceu uma recompensa considerável para qualquer um que pudesse capturar e trazer Gable a ele ileso.
Prêmios militares de Gable foram a distinta cruz de vôo, medalha de ar, Medalha da campanha americana, medalha da campanha de Leste Européia-Africano-Média e Medalha de Vitória II Guerra Mundial. Ele também qualificou para e recebeu asas artilheiro aéreo.
Imediatamente após sua dispensa do serviço, Gable retornou a seu rancho e descansado. Ele retomou uma relação pré-guerra com Virginia cinzento e datada de outras estrelas. Ele apresenta o seu caddie de golfe Robert Wagner para MGM casting. O primeiro filme de Gable após a Segunda Guerra Mundial foi Adventure (1945), com sua co-estrela mal-acompanhado Greer Garson. Foi um fracasso comercial e de crítica, apesar do famoso slogan teaser de "costas de Gable e Garson está com ele".
Depois terceiro divórcio de Joan Crawford, ela e Gable retomou seu caso e viveram juntos por um breve tempo. Gable foi aclamado por sua atuação em Os Hucksters (1947), uma sátira do pós-guerra, a corrupção Madison Avenue e imoralidade. Um romance muito público e breve com Paulette Goddard ocorreu depois disso. Em 1949, Gable se casou com Sylvia Ashley, uma divorciada britânica ea viúva de Douglas Fairbanks. A relação foi profundamente mal sucedida; eles se divorciaram em 1952. logo seguido Never Let Me Go (1953), ao lado de Gene Tierney. Tierney era um favorito de Gable e ele estava muito desapontado quando ela foi substituída em Mogambo (por causa de seus problemas de saúde mental) por Grace Kelly. [36] Mogambo (1953), dirigido por John Ford, era um remake pouco higienizadas de seu mais cedo Pré-Code filme Red Dust (1932), com Jean Harlow e Mary Astor, que tinha sido um sucesso maior. Caso em locação de Gable com Grace Kelly (1929-1982), que era jovem o bastante para ser sua filha, gradualmente terminou depois das filmagens foi concluída.
Gable tornou-se cada vez mais descontentes com o que ele considerava papéis medíocres ofereceu-lhe pela MGM, enquanto o estúdio considerava seu salário como excessiva. Chefe do estúdio Louis B. Mayer foi demitido em 1951 em meio a queda de produção e as receitas Hollywood, devido principalmente à crescente popularidade da televisão. Chefes de estúdio lutava para cortar custos. Muitas estrelas da MGM foram demitidos ou seus contratos não foram renovados, incluindo Greer Garson e Judy Garland. Em 1953, Gable se recusou a renovar seu contrato, e começou a trabalhar de forma independente. Seus dois primeiros filmes desta nova situação foram Soldier of Fortune e os homens altos (ambos 1955), que eram rentáveis, embora apenas sucessos modestos. Em 1955, Gable se casou com sua quinta esposa, Kay Spreckels (née Kathleen Williams), uma ex-modelo de três casamentos e atriz, que tinha sido casada anteriormente com o açúcar-refinação herdeiro Adolph B. Spreckels Jr. Gable se tornou padrasto de seu filho Bunker Spreckels que passou a viver um estilo de vida de celebridade famoso na década de 1960 e início de 1970 surf cena, levando a sua morte prematura em 1977.
Em 1955, Gable formaram uma empresa de produção com Jane Russell e seu marido Bob Waterfield, e eles produziram O Rei e Quatro Rainhas (1956), apenas a produção de Gable. Ele encontrou produzindo e atuando para ser muito desgastante para a sua saúde, e ele estava começando a se manifestar um tremor perceptível, especialmente em tomadas longas. Seu próximo projeto era Faixa dos anjos (1957), com parente recém-chegado Sidney Poitier e Yvonne De Carlo; foi um desastre total. Newsweek disse: "Aqui está um filme tão ruim que deve ser visto para ser incrédulos."  Em seguida, ele emparelhado com Doris Day em Pet do Professor (1958), filmado em preto e branco para melhor esconder o rosto de envelhecimento e corpo acima do peso.  O filme foi bom o suficiente para trazer Gable mais ofertas de filmes, incluindo Run Silencioso, Run Deep (também 1958), com a co-estrela e produtor Burt Lancaster, que contou com sua primeira morte na tela desde 1937, e que recebeu boas críticas. Gable começou a receber ofertas de televisão, mas rejeitou-los imediatamente. Aos 57 anos, Gable, finalmente, reconheceu, "Agora é hora de eu agi minha idade"  Seus próximos dois filmes foram comédias leves para a Paramount:. But Not for Me (1959) com Carroll Baker e Começou em Nápoles (1960), com Sophia Loren. O último, apesar de uma recepção crítica gelada, foi um bom sucesso de bilheteria e foi nomeado para um Oscar e dois Globos de Ouro. Filmada principalmente em locações na Itália, foi o último filme de Gable lançado em cor.
O último filme de Gable era The Misfits (1961), com roteiro de Arthur Miller e dirigido por John Huston. Com Gable Co-estrelando foram Marilyn Monroe, seu último filme concluído; Montgomery Clift; Eli Wallach; e Thelma Ritter. Muitos críticos consideram o desempenho do Gable para ser o seu melhor, e Gable, depois de ver os cortes brutos, concordou.
Retratista Al Hirschfeld criou um desenho e, em seguida, uma litografia, retratando as estrelas do filme Clift, Monroe e Gable com o roteirista Miller, no que é sugerido como um típico "on-the-set" cena durante a produção conturbada.  Ao longo sua vida, Gable gostava de o trabalho do artista Reinhold Palenske, e eles eram amigos íntimos.
Gable era politicamente conservador, embora ele nunca falou publicamente sobre a política. Sua terceira esposa, Carole Lombard, foi um ativista liberal democrata, [carece de fontes?] E ela cajoled-lo em apoio ao presidente democrata Franklin D. Roosevelt eo New Deal. Em 1944, ele se tornou um dos primeiros membros da conservadora Motion Picture Alliance para a Preservação de ideais americanos, ao lado de Ronald Reagan, John Wayne, Gary Cooper e outros atores conservadores e cineastas. Em fevereiro de 1952, ele participou de um comício transmitido pela televisão em Nova York, onde ele pediu entusiasticamente General Dwight D. Eisenhower para concorrer à presidência. Foi quando Eisenhower ainda estava sendo procurado por ambas as partes como seu candidato. Apesar de ter sofrido uma trombose coronária grave, Gable ainda conseguiu votar por correspondência na eleição presidencial de 1960.
Clark Gable teve uma filha, Judy, o resultado de seu caso com a atriz Loretta Young, que começou no set de The Call of the Wild (1935) em 1934. Em um esquema elaborado, Jovem tomou umas férias prolongadas e foi para a Europa para esconder o fato de que ela estava grávida. Depois de vários meses, ela voltou para os Estados Unidos, e ela deu à luz a sua filha em Venice, Califórnia. Gable tinha passado grande parte da gravidez para fora do país, mas estava em Nova York quando ele recebeu um telegrama não assinado que disse: "O bebê nasceu, ela é linda, e tem o cabelo loiro." Young e sua mãe ambos negaram o envio do telegrama, mas Loretta acreditava que Carter Hermann (irmã marido dela de Polly, que também era de Judy padrinho) tinha enviado.
Dezenove meses após o nascimento, Jovem alegou ter adoptado Judy. A menina cresceu parecida com Gable muito, inclusive com grandes orelhas que fora preso. Ela atendia pelo nome Judy Lewis após Ms. Jovem casado Tom Lewis quando Judy tinha quatro anos. De acordo com Lewis, Gable visitou sua casa uma vez, quando tinha quinze anos, perguntou sobre sua vida, e beijou-a na testa ao sair. Ele não lhe disse que ele era seu pai biológico. Nem Gable nem Jovem jamais reconhecer publicamente verdadeira paternidade de sua filha, mas muitas pessoas em Hollywood e no público em geral acreditavam que Gable era seu pai por causa de sua semelhança muito forte eo momento do seu nascimento.
Lewis finalmente confrontou sua mãe sobre sua verdadeira paternidade quando ela tinha 31 anos de idade e Gable estava morto há cinco anos. Loretta prontamente vomitou e confirmou que ela era sua mãe biológica e Gable era seu pai. Jovem não reconheceu publicamente a verdade enquanto ela estava viva, que ela disse seria admitir a um "pecado venial". No entanto, ela finalmente lhe deu permissão biógrafo de incluí-lo, com a condição de que o livro não será publicado até depois de sua morte. Ela morreu em 12 de agosto de 2000, com a idade de 87 do cancro do ovário. Judy Lewis, filha única de Gable nascida enquanto ele estava vivo, morreu em 25 de novembro de 2011, de câncer.
Em 1955 Gable se casou com Kay Williams, que tinha um filho por ele em 20 de março de 1961, após a morte de Gable.
Em setembro de 2012, Clark James Gable (nascido em 20 de setembro de 1988, o neto de Gable e do filho de John Clark Gable) tornou-se o acolhimento dos reality nacionalmente sindicado mostrar Cheaters.  Atriz Kayley Gable (nascido em 1986), é a neta de Clark Gable. Seu filho, Oceano Clark Gable, nasceu 01 de janeiro de 2015.........
Gable morreu em Hollywood Presbyterian Hospital em 16 de novembro de 1960, a partir de uma trombose coronária, 10 dias depois de sofrer um ataque cardíaco grave em 59 anos houve especulações de que o papel fisicamente exigente do Gable em The Misfits contribuiu para sua morte repentina logo após a filmagem foi concluída . Em uma entrevista com Louella Parsons, publicado logo após a morte de Gable, Kay Gable disse: "Não foi o esforço físico que o matou. Foi a tensão horrível, a eterna espera, esperando, esperando. Ele esperou cerca de sempre, para todo o mundo . Ele ia ficar com tanta raiva que ele tinha acabado de ir em frente e fazer alguma coisa para manter ocupado. " Monroe disse que ela e Kay havia se tornado perto durante as filmagens e remete para Clark como" Our Man ",  enquanto Arthur Miller, observando Gable no local, observou que "nenhum indício de afronta nunca mostrou em seu rosto".  Outros culparam dieta radical de Gable antes do início das filmagens. A 6 ft 1 in (185 cm) Gable pesava cerca de 190 libras (86 kg) no momento de Gone with the Wind, mas por suas final dos anos 50, ele pesava 230 £ (104 kg). Para entrar em forma para The Misfits, ele caiu para £ 195 (88 kg).
Em 20 de Março de 1961, Kay Williams (Gable) deu à luz o único filho de Gable, John Clark Gable, no mesmo hospital em que Gable tinha morrido quatro meses antes. Marilyn Monroe participaram do batismo de seu filho.
Gable foi enterrado em O Grande Mausoléu em Forest Lawn Memorial Park em Glendale, Califórnia ao lado de sua terceira esposa, Carole Lombard.
Em um ensaio fotográfico de Hollywood estrelas de cinema, a revista Life chamado Gable, "All homem ... e então alguns."
Doris Day resumiu personalidade única de Gable: "Ele era como masculino como qualquer homem que eu já conheci, e tanto um menino como um homem adulto poderia ser - foi esta combinação que teve um efeito tão devastador sobre as mulheres".
Amigo de longa data, oito tempo co-estrela e on-again, off-again Romance Joan Crawford concordou, afirmando no programa de TV de David Frost, em 1970, que "ele era um rei onde quer que fosse. Ele caminhava como um, ele comportou-se como um, e ele era o homem mais masculino que eu já conheci na minha vida ".
Robert Taylor disse Gable "foi um grande, grande cara e, certamente, uma das grandes estrelas de todos os tempos, se não o maior Eu acho que eu sinceramente duvido que algum dia haverá outro como Clark Gable;. Ele era um de um tipo. "
Em seu livro de memórias Tragam os cavalos vazios  David Niven afirma que Gable, um amigo próximo, era extremamente favorável após a súbita morte, acidental da primeira esposa de Niven, Primula (Primmie) em 1946. Primmie tinha apoiado Gable emocionalmente depois de Carole Lombard do morte, quatro anos antes: Niven relata Gable ajoelhado aos pés de Primmie e soluçando enquanto ela segurava e consolou-o. Niven também afirma que Arthur Miller, autor de The Misfits, Gable tinha descrito como "o homem que não sabe odiar".
Gable foi criticado por alterar aspectos críticos de um script quando ele sentiu que o script não se encaixa com a sua imagem. O roteirista Larry Gelbart, como citado por James Garner  uma vez afirmou que Gable, "... não iria para baixo com o submarino, (referindo-se a corrida silenciosa, são profundas, onde o filme terminou de forma diferente a partir do livro em que foi base), porque Gable não afundar. "
Eli Wallach, em sua autobiografia,  também afirma que cena mais dramática de Wallach em The Misfits foi cortada do filme depois de ter sido filmado ao longo de várias tomadas. Esta cena descreve o personagem de Wallach (que secretamente ama o personagem interpretado por Marilyn Monroe), sendo emocionalmente esmagado quando ele a visita, na esperança de propor a ela e, em vez vê-la com o personagem de Gable. Ambos Gable e Monroe são fora da tela, ea tristeza Wallach é indicado por deixar cair o seu buquê de rosas que ele tinha trazido para ela. Gable ordenou a cena removido porque ele sentiu que seu personagem nunca iria roubar uma mulher de outro homem. Wallach, no entanto, se abstém de criticar Gable, observando que ele foi profissional e atencioso em seu comportamento.
Gable é conhecido por ter aparecido como um extra em 13 filmes entre 1924 e 1930. Em seguida, ele apareceu em um total de 67 filmes lançados nos cinemas, como ele mesmo em 17 filmes "curto assunto", e ele narrou e apareceu em uma Segunda Guerra Mundial filme de propaganda de Combate intitulado América, produzido pelos Estados Unidos Forças Aéreas do Exército.
Desenhos da Warner Bros., por vezes caricaturada Gable. Exemplos incluem Você tem alguma Castles? (Em que seu rosto aparece sete vezes de dentro do romance The House of the Seven Gables), The Coo-Coo Nut Grove (em que seus ouvidos aba por conta própria), Hollywood Steps Out (em que ele segue uma mulher enigmática), Gatos e não danço em que ele aparece em uma promoção outdoor para Gone With The Wind.
Em 2003, no álbum: Give Up, The Postal Service lançou uma canção intitulada "Clark Gable". A canção menciona que ele quer o amor como algo que nos filmes, e usa a linha "eu te beijei em um estilo Clark Gable teria admirado, eu pensei que clássico" e descreve um romance de Gable-like.
No filme Broadway Melody de 1938, Judy Garland (com 15 anos) canta "You Made Me Love You" enquanto olha para uma imagem composta de Gable. As linhas de abertura são: "Dear Mr. Gable, estou escrevendo isso para você, e eu espero que você vai lê-lo para que você saiba, meu coração bate como um martelo, e eu gaguejar e eu gaguejar, cada vez que vejo você no show de imagem, eu acho que eu sou apenas mais um fã de vocês, e eu pensei que eu iria escrever e dizer-lhe isso. Você me fez amar você, eu não quero fazê-lo, eu não queria faça ... "
Bugs indiferente posição de pé, como explicado por Chuck Jones, Friz Freleng e Bob Clampett-mastigação de cenoura, originado em uma cena no filme It Happened One Night, em que o personagem de Clark Gable inclina-se contra uma cerca, comer cenouras rapidamente e conversando com coelho a boca cheia ao personagem de Claudette Colbert. Esta cena era bem conhecido, enquanto o filme era popular, e os telespectadores, no momento provável Erros reconhecido o comportamento do coelho como sátira.
Gable foi mencionado junto com Cary Grant e Tyrone Power por Etta Candy em um episódio 1977 Hollywood-temático da Mulher Maravilha.
Gable é mencionado na letra, "Entre as nossas missões que Lantejoula coletes / E personificar Clark Gable," no número musical, "Cavaleiros da Távola Redonda", do Monty Python eo Santo Graal.
Gable foi retratado em filmes de James Brolin em Gable e Lombard (1976), Larry Pennell em Marilyn: The Untold Story (1980), Edward Winter in Moviola: A Guerra Scarlett O'Hara (1980), Boyd Holister em Grace Kelly ( 1983), Gary Wayne em Malice in Wonderland (1985), Gene diária em The Rocketeer (1991), Bruce Hughes e Shayne Greenman em Blonde (2001), Charles Unwin em Lucy (2003), e Kyle MacLahlan em "Touch of Pink" (2004).
Gable, junto com Ava Gardner apareceu na capa do segundo álbum de Robin Gibb Quantos anos você tem? (1983).
No clássico episódio de Star Trek The City on the Edge of Forever, Edith Keeler sugere que ela e Kirk ver o mais recente filme de Clark Gable. Isso é improvável, como Gable ainda não tinha se tornado uma grande estrela em 1930 (quando o episódio é definido).





















Filmografia [editar]



Na cultura popular [editar]
















(1983).

Atores Hollywoodianos

Joseph Frank "Joe" Pesci ( nascido 09 de fevereiro de 1943) é um ator americano, comediante e músico, conhecido por interpretar personagens difíceis, voláteis, em uma variedade de gêneros. Ele é mais conhecido por um trio de filmes em que ele co-estrelou com Robert De Niro, dirigido por Martin Scorsese: Touro Indomável (1980), Os Bons Companheiros (1990) e Cassino (1995). Pesci foi nomeado para o Oscar de Melhor Ator Coadjuvante por seu papel em Touro Indomável, e, em seguida, ganhou o mesmo prêmio por seu papel como o mafioso Tommy DeVito psicopata em Goodfellas.
Pesci já atuou em uma série de outros filmes de alto perfil, incluindo Era uma vez na América, Meu Primo Vinny, JFK, Home Alone, Sozinho em Casa 2: Perdido em Nova York, no Bronx e da série Máquina Mortífera.
Ele anunciou sua aposentadoria do agindo em 1999, e desde então ele tem aparecido esporadicamente em filmes...Pesci nasceu em 9 de Fevereiro de 1943, em Newark, New Jersey. Sua mãe, Maria (née Mesce), trabalhou a tempo parcial como um barbeiro, e seu pai, Angelo Pesci, era um motorista de empilhadeira para a General Motors, e um barman.  Pesci, de ascendência italiana, foi levantada em Belleville, New Jersey, e participou de Belleville High School. Até o momento Pesci tinha cinco anos de idade, ele estava aparecendo em peças em Nova Iorque.  Aos 10 anos, ele era um regular em um programa de variedades de televisão chamado Startime miúdos que também contou com Connie Francis.
Na década de 1960, Pesci começou a trabalhar como barbeiro, seguindo os passos de sua mãe. Ao mesmo tempo, ele tentou iniciar uma carreira musical, tocando guitarra com várias bandas, incluindo Joey Dee e os Starliters. (A posição de guitarrista na banda foi tomada vários anos mais tarde por Jimi Hendrix.) Em 1968, ele lançou o álbum Little Joe Sure Can Sing! (Anunciado como "Joe Ritchie"), em que ele cantou covers de hits pop contemporâneos.
Na década de 1960 e início de 1970 atrasado, Pesci uniram-se com o ator Frank Vincent, se apresentando em clubes locais como o Arlington Sala e outros locais ao redor de North Jersey como "Vincent e Pesci." O material do duo comédia foi um jogo de Martin e Lewis e Abbott e Costello. Em 1975, eles apareceu na Broadway mostrar o novo vaudevillians, que durou apenas uma semana.
O primeiro filme Pesci estrelou o filme foi crime 1.976 de baixo orçamento The Death Collector ao lado de Frank Vincent. Depois do filme Pesci voltou para executar seu restaurante, Amici de, no Bronx.
Em 1979, Pesci recebeu um telefonema de Martin Scorsese e Robert De Niro, que ficaram impressionados com sua performance em O Colecionador de Morte e pediu-lhe para co-estrelar de Scorsese Raging Bull como Joey LaMotta. Pesci ganhou o Prêmio BAFTA Film para Iniciante para papéis no cinema líder em 1981 e foi nomeado para um Oscar de Melhor Ator Coadjuvante.
Ao longo dos próximos anos, Pesci apareceu em vários filmes menores, incluindo Dear Mr. Wonderful (1982), Easy Money (1983) e Eureka (1983).
Em 1984, ele foi lançado em Era uma vez na América, mais uma vez aparecendo ao lado de De Niro.
Em 1985, ele estrelou como detetive particular Rocky Nelson na série de comédia de televisão de curta duração Half Nelson.
Em 1988, Pesci co-estrelou com o cantor pop Michael Jackson no filme musical-fantasia Moonwalker, aparecendo como antagonista do filme, Frankie "Mr. Big" LiDeo (um anagrama para um dos produtores do filme e de longa data gerente Jackson Frank DiLeo, com quem Pesci, mais tarde, agir em Goodfellas). Pesci foi destaque no segmento quinto e final do filme, um curta-metragem chamado Smooth Criminal, com base na canção do mesmo nome de Jackson.
Ele apareceu como Leo Getz nas seqüências Máquina Mortífera, lançado em 1989, 1992 e 1998.
Em 1990, ele se reuniu com Scorsese e De Niro para Goodfellas, onde jogou mafioso Tommy DeVito, com base em mafioso da vida real Thomas DeSimone. Pesci recebeu o Oscar de Melhor Ator Coadjuvante pelo papel, que ele aceitou com o discurso mais curto na história do Oscar, dizendo simplesmente: "É meu privilégio. Obrigado", antes de deixar o palco. (Coincidentemente, Tommy DeVito também é o nome real do velho conhecido de Pesci de Belleville, NJ-o da vida real Four Seasons banda Tommy DeVito fundador), observou a seguir. No entanto, contrariamente à crença popular, o personagem não foi nomeado após DeVito. Velho amigo Frank Vincent também aparece no filme.
Pesci também co-estrelou o blockbuster de Home Alone, em 1990, jogando Harry Lyme, um dos dois assaltantes incompetentes (juntamente com bom amigo Daniel Stern) que tentam arrombar a casa do jovem personagem interpretado por Macaulay Culkin. Dois anos depois, Pesci reprisou seu papel na sequela Sozinho em Casa 2: Perdido em Nova Iorque.
Pesci jogado David Ferrie em JFK, de 1991. Em 1992, ele apareceu como o personagem-título na comédia My Cousin Vinny.
Em 1992, Pesci encabeçou o elenco de The Public Eye como Leon "Bernzy" Bernstein, um fotógrafo. Sua atuação no filme foi alguns de seus melhores, ainda que menos trabalho referenciado, e marcou uma partida de seu repertório mais popular de trabalho personagem.
Pesci hospedado esboço show de comédia Saturday Night Live on 10 de outubro de 1992, ao fazer publicidade para meu primo Vinny. Durante seu monólogo, ele restaurou a imagem do Papa João Paulo II, que havia sido dilacerado por Sinéad O'Connor na transmissão anterior; ele, em seguida, rasgou uma foto de O'Connor, que foi recebido com muitos aplausos.
Pesci teve um pequeno papel em 1993 de A Bronx Tale.
Em 1995, Pesci teve sua terceira e até agora última colaboração com Scorsese e De Niro no filme Casino, jogando Nicky Santoro, com base na vida real Mob Enforcer Anthony Spilotro.
Ele foi a escolha original para jogar Myron Larabee, o carteiro estressado em Jingle All the Way oposto Arnold Schwarzenegger em 1996, mas a parte foi finalmente dado a Sinbad, cujo tamanho físico era mais comparável ao de Schwarzenegger.
Ele havia estrelado por papéis em vários outros filmes, incluindo Man on Fire (1987), O Super (1991), Jimmy Hollywood (1994), Com Mérito (também 1994) e Fishin Gone '(1997).
Em 1998, ele lançou seu segundo LP (o seu primeiro álbum em 30 anos) chamado Vincent Gambini LaGuardia canta apenas para você, o que gerou o single "Indivíduo sábio", um número rap que jogou sobre o tema gangsta referenciando Mafia gangsterismo. "Indivíduo sábio" interpolada de 1980 hit "Rapture" por Blondie, e foi co-escrito e produzido pela equipe de produção hip-hop os Trackmasters. Vincent Gambini LaGuardia canta Just For You foi um álbum que era ao mesmo tempo bem-humorado e séria, explorando uma variedade de gêneros, embora a maior parte era jazz big band, e que prestou homenagem a seu nome do personagem do filme de 1992 Meu Primo Vinny, não só através do seu título do álbum, mas também por sua faixa principal "Yo Cousin Vinny".
Pesci está associada a musical da Broadway Jersey Boys, que estreou em 2005. O musical é baseado na vida de Frankie Valli e os Four Seasons. Como um amigo do grupo Tommy DeVito, ele estava presente durante a formação do grupo como um homem jovem. Pesci é um personagem do musical, crucial para a introdução de DeVito e Valli para o cantor / compositor que se tornou um membro do seminal Seasons, Bob Gaudio.
Em 1999, Pesci anunciou sua aposentadoria de agir para seguir uma carreira musical e de aproveitar a vida longe da câmera. Ele voltou a atuar quando ele fez uma participação especial no filme de 2006 de De Niro O Bom Pastor. Ele estrelou o drama 2010 bordel Love Ranch, ao lado de Helen Mirren.
Pesci apareceu com Don Rickles em 2011 Snickers anúncio no qual ele retrata o alter-ego de um jovem que vai a uma festa e fica agitado por duas mulheres.
A tendência de Pesci de interpretar personagens violentos, de pavio curto, especialmente nos filmes de Scorsese, foi satirizado em um esboço recorrente no Saturday Night Live, "The Joe Pesci Show", em 1995 e 1996. Nos esboços, Pesci (interpretado por Jim Breuer ) hospeda um talk show com sidekick Robert De Niro (interpretado alternadamente por Colin Quinn e vários apresentadores convidados), que geralmente termina com Pesci e De Niro bater o convidado com bastões de beisebol devido a algum percebido ligeira. (O verdadeiro Pesci e De Niro fez uma aparição surpresa em um esboço, anunciando o seu descontentamento com o esboço e depois dar o mesmo tratamento a Breuer e Quinn.)
No filme Jersey Boys, Pesci é retratado por Joey Russo com acenos para seus filmes anteriores Máquina Mortífera 2 e Os Bons Companheiros.
George Carlin afirma em uma de suas rotinas de comédia que, em vez de orar a Deus, ele reza para Joe Pesci, porque "ele parece um cara que pode fazer as coisas."
Em um episódio da série animada Animaniacs 1993, um segmento de "Boas penas" é uma homenagem ao filme Goodfellas em que o pombo chamado Pesto representa o personagem de Joe Pesci de Goodfellas.
No episódio Full House "The Test", Joey Gladstone (Dave Coulier) encontra uma batata ele alega para se parecer com Joe Pesci, que vários outros personagens confirmar.
Pesci é único, tendo sido divorciado três vezes  desde seu primeiro casamento, em 1964.  De 1988 a 1992, Pesci era casado com Claudia Haro, uma modelo e atriz. Em 2007 Pesci foi contratado para Angie Everhart,  mas o casal se separou em 2008.
Enquanto filmava cenas em dois dos filmes de Martin Scorsese (Touro Indomável e Casino), Pesci quebrou a mesma costela, a 15 anos de diferença.

Atores Hollywoodianos

Marlon Brando, Jr. (Omaha, 3 de abril de 1924 – Los Angeles, 1 de julho de 2004) foi um ator de cinema e teatro e diretor estado-unidense. É saudado por trazer um estilo realista emocionante na atuação em filmes, e é amplamente considerado como um dos maiores e mais influentes atores de todos os tempos. Considerado um dos mais importantes atores do cinema dos Estados Unidos,1 2 Brando foi um dos três únicos atores profissionais, juntamente com Charlie Chaplin e Marilyn Monroe, a fazer parte da lista de 100 pessoas mais importantes do século compilada pela revista Time, em 1999.3 Também foi um ativista, apoiando várias causas, nomeadamente os movimento dos direitos civis dos negros e os vários movimentos indígenas americanos.
É mais conhecido pelos seus papéis como Stanley Kowalski em A Streetcar Named Desire (1951), Emiliano Zapata em Viva Zapata! (1952), Marco Antônio na adaptação da MGM da peça de Shakespeare, Julius Caesar e Terry Malloy em On the Waterfront (1954). Durante os anos 70, ele foi mais famoso pela sua eterna performance vencedora do Oscar de melhor ator como Don Vito Corleone, em The Godfather (1972), de Francis Ford Coppola, e, também, pelo seu papel como Coronel Walter Kurtz em Apocalypse Now (1979), também de Coppola. Brando também recebeu uma indicação ao Oscar pela sua performance como Paul em Last Tango in Paris (1972), além de ter dirigido e estrelado One-Eyed Jacks (1961).
É considerado um dos maiores e mais influentes atores do século XX. Na opinião do cineasta Martin Scorsese, "Ele é o marco. Há o 'antes de Brando' e 'depois de Brando'."4 Brando foi, também, um ativista, apoiando diversas causas, mais notavelmente o movimento dos direitos civis dos negros nos Estados Unidos e diversos movimentos em defesa dos índios norte-americanos...Marlon Brando era filho de Marlon Brando Sr. (1895-1965) e Dorothy Pennebaker Brando. Os seus pais se separaram quando tinha apenas 11 anos de idade - em 1935. A sua mãe levou os filhos (Marlon, Jocelyn Brando e Frances Brando) para viver com a avó em Santa Ana, Califórnia, até 1937, quando decidiu reconciliar com o marido e viver com ele e com os rebentos numa vila chamada Libertyville, Illinois.
Dorothy era uma mulher talentosa, embora fosse viciada em bebidas alcoólicas e mãe ausente. Ela se envolveu com o teatro local, ajudou o jovem Henry Fonda a começar a carreira de ator e incutiu em Brando o interesse pela mesma. Sua irmã mais velha, Jocelyn, também foi atriz.
Brando teve uma infância tumultuada. Foi expulso da escola Libertyville High School e, aos 16 anos de idade, mandado para a academia militar Shattuck, em Fairbault, Minnesota. Lá, se sobressaiu nas aulas de teatro. Mas por tentar escapar do confinamento da escola, sofreu, mais uma vez, expulsão. Aceito de volta um ano mais tarde, decidiu não dar prosseguimento aos estudos.
Brando foi para Nova York atrás de suas irmãs. Uma tentava ser pintora enquanto a outra estava na Broadway. Em Nova York, Brando estudou em várias escolas de teatro com destaque para o tempo em que estudou com Stella Adler no seu estúdio que hoje ainda funciona como escola, a Stella Adler Actors Studio. Foi com Stella, a única professora nos Estados Unidos que realmente teve contato com Stanislavski que Brando definiu sua técnica.
Brando na peça A Streetcar Named Desire, que posteriormente iria para as telas de cinema.
Brando começou a chamar atenção atuando na peça de Tennessee Williams, A Streetcar Named Desire (Um Bonde Chamado Desejo/Um Eléctrico Chamado Desejo). A peça foi filmada, mas acabou tendo seu lançamento atrasado, o que levou que figurasse como seu primeiro trabalho em cinema o filme, de 1950, The Men (Espíritos Indômitos). Esta produção contava a história de um veterano da Segunda Guerra Mundial ferido em combate angustiado por estar preso a uma cadeira de rodas.
Em 1961, trabalhando no único filme que dirigiu: o faroeste One-Eyed Jacks
Em A Streetcar Named Desire (Uma Rua Chamada Pecado) - dirigido por Elia Kazan e com a presença da atriz Vivien Leigh no papel de Blanche DuBois, Brando fazia o papel de Stanley Kowalski, um rude trabalhador de chão de fábrica que gostava de jogar cartas e boliche. Tornou-se um símbolo sexual ao aparecer em fotos como o personagem, sempre de camiseta que lhe realçava seus músculos. A Academia de Artes e Ciências Cinematográficas de Los Angeles premiou o filme nas categorias de melhor atriz, Vivien Leigh, melhor ator coajuvante, Karl Malden e melhor atriz coadjuvante para Kim Hunter. Brando também foi indicado ao Oscar, mas mesmo sendo o franco favorito, não ganhou. Brando seria indicado mais três vezes em cada ano posterior em Viva Zapata! em 1952, Julius Caesar (Júlio César), 1953, no papel de Marco Antônio, e On the Waterfront (Sindicato de Ladrões), em 1954.
No ano de 1953, Brando se tornaria um ídolo dos jovens da época ao interpretar Johnny Stabler em The Wild One (O Selvagem). No filme ele era um delinquente, líder de uma gangue de motoqueiros, vestido de jaqueta de couro e dirigindo uma motocicleta 1950 Triumph Thunderbird 6T. O filme marcaria toda uma geração de artistas, desde James Dean a Elvis Presley, os quais adoravam o estilo rebelde mostrado no filme.
Ganharia o primeiro Oscar com o filme On the Waterfront (Sindicato de Ladrões/Há Lodo no Cais), dirigido por Elia Kazan. Nos anos 1960 faria alguns filmes polêmicos, como The Chase (Caçada Humana), no qual é a vítima em uma longa cena de espancamento. E Queimada!, seu personagem favorito, usado para mostrar uma visão histórica do que teria sido a política de colonização europeia na América, com os portugueses e espanhóis agindo com violência e ganância, enquanto os ingleses buscavam tomar para si as colônias, atuando nos bastidores com mentiras e falso apoio aos nativos colonizados. Brando se mostra um grande ativista nos anos 1960, tendo participado de manifestações públicas em favor do Direitos Civis e dos Direitos dos Indígenas, campanha que o levou a recusar um oscar no início da década seguinte.
Mas seu estilo como ator alcançaria o auge do sucesso e da fama nos anos 1970, com os clássicos The Godfather (O Poderoso Chefão), Last Tango in Paris (Último Tango em Paris), Apocalypse Now, entre outros, tendo sido indicado para mais dois oscars pela Academia de Hollywood. Venceu pela sua eterna interpretação de Don Vito Corleone, que rendeu ao personagem o título de "maior vilão da história do cinema".
Quando venceu em 1973 o Oscar pelo fime The Godfather, Marlon Brando enviou uma representante dos povos indígenas para fazer um discurso em seu nome, protestando contra a forma como os Estados Unidos e Hollywood discriminavam os nativos americanos.
Nos anos 1980 interrompe sua carreira e se retira para a ilha de Tetiaroa, na Polinésia Francesa, da qual era o dono desde 1966. Ganha peso e é fotografado várias vezes usando um largo sarongue polinésio. Com problemas financeiros, retomou sua carreira cinematográfica em 1989. Chegou a fazer uma paródia de si mesmo no filme The Freshman (Um Novato na Máfia), no qual praticamente repetiu a caracterização de Don Vito Corleone. Passa a ter sérios problemas pessoais, com o julgamento do filho Christian por assassinato do namorado da irmã Cheyenne e que, deprimida, se suicidou poucos anos depois (1995).
Dirigiu apenas um filme, o western One-Eyed Jacks (Cinco Anos Depois ou A Face Oculta) de 1961, substituindo o diretor Stanley Kubrick no início das filmagens. Obteve alguns elogios da crítica, demonstrando estilo lento e inovador no gênero: filmou o mar, cenário incomum dos western. Também no duelo final com seu amigo na vida real Karl Malden, usa ângulos e coreografia fora do normal. No western que fez com Jack Nicholson, The Missouri Breaks (Duelo de Gigantes), de 1976, faz um pistoleiro bem estranho, dando continuidade à sua visão e a do diretor Arthur Penn, inovadora mas com tendências acentuadas para parodiar o gênero.
Participaria do filme Scary Movie 2 (Todo Mundo em Pânico 2), como o Padre McFeeley;5 na época das filmagens, no entanto, Marlon contraiu um quadro de pneumonia, que o impediu de participar do filme.
Brando ganhou uma reputação de "bad boy" por suas explosões públicas e seu mau-comportamento. De acordo com a revista Los Angeles, Brando foi o "rock and roll antes que alguém soubesse o que o rock and roll era". Seu comportamento durante as filmagens de O Grande Motim (1962) parecia reforçar a sua reputação como uma estrela difícil. Ele foi responsabilizado por uma mudança de diretor e um orçamento de fuga, embora negada a responsabilidade por qualquer um. Em 12 de junho de 1973, Brando quebrou a mandíbula do paparazzo Ron Galella . Galella tinha seguido Brando, que estava acompanhado pelo apresentador de talk show Dick Cavett, depois de uma gravação de The Dick Cavett Show, em Nova York . Ele teria pago um assentamento de 40 000 dólares fora de quadra e sofreu como uma mão infectada como resultado. Galella usava um capacete de futebol da próxima vez que ele fotografou Brando em um baile de gala em benefício da Associação de Desenvolvimento Índios americanos.
Brando fez o seguinte comentário sobre a sua vida sexual em uma entrevista com Gary Carey, por sua biografia 1976 The Only Contender: " A homossexualidade está tanto na moda que já não faz notícia. Como um grande número de homens, eu também tive experiências homossexuais e não me envergonho. Nunca prestei muita atenção ao que as pessoas pensam sobre mim. Mas se há alguém que está convencido de que Jack Nicholson e eu somos amantes, eles podem continuar a fazê-lo. Acho que é divertido. "
As filmagens de O Grande Motim afetado a vida de Brando de uma forma profunda, como ele se apaixonou por Tahiti e seu povo. Ele comprou um atol 12-ilha, Tetiaroa, e, em 1970, contratou um premiado jovem Los Angeles arquiteto Bernard juiz para construir sua casa e aldeia naturais lá sem espoliação do meio ambiente. Um laboratório ambiental proteger aves marinhas e tartarugas foi estabelecido e grupos de estudantes bem-vinda lá por muitos anos. Tragicamente, o 1983 furacão destruiu muitas das estruturas, incluindo seu resort. Um hotel de usar o nome de Brando está em reconstrução sob nova propriedade que deve ser aberto em 2014. O seu filho Simon é o único habitante de Tetiaroa. Brando era um ativo de rádio amador do operador, com os sinais de chamada KE6PZH e FO5GJ (o último de sua ilha). Ele foi listado no Federal Communications Commission (FCC) registra como Martin Brandeaux para preservar sua privacidade.
No episódio A&E Biography sobre Brando, comentários do biógrafo Peter Manso: ", por um lado, ser uma celebridade permitido Marlon para se vingar no mundo que tão profundamente machucá-lo, tão profundamente marcado ele. Por outro lado, ele odiava porque ele sabia que era falsa e efêmera ". No mesmo programa, o biógrafo David Thomson relata: "Muitas, muitas pessoas que trabalharam com ele, e chegou a trabalhar com ele com as melhores intenções, partiu em desespero dizendo que ele é uma criança mimada. Ele tem que ser feito o seu caminho ou ele vai embora com alguma grande história sobre como ele foi injustiçado, ele se sentiu ofendido, e eu acho que se encaixa com o padrão psicológico que ele era um garoto injustiçado."
Em 1 de julho de 2004, Marlon Brando morreu de insuficiência respiratória. Segundo o advogado, David J. Seeley, Marlon faleceu em um hospital de Los Angeles, seu corpo foi cremado e suas cinzas foram colocadas juntas a de seu amigo de infância Wally Cox e outro amigo de longa data, Sam Gilman. Em seguida, foram espalhadas uma parte no Taiti e outra parte no Vale da Morte, Deserto de Mojave nos Estados Unidos.