Mais de uma carreira de mais de meio século, Hitchcock formou para si um estilo de direção distinta e reconhecível. Ele foi pioneiro no uso de uma câmera feita para mover de uma maneira que imita o olhar de uma pessoa, forçando os espectadores a se envolver em um formulário de voyeurismo. Ele emoldurou tiros para maximizar a ansiedade, o medo, ou a empatia, e usou edição de filme inovador. Suas histórias muitas vezes apresentam fugitivos no funcionamento da lei ao lado de personagens femininos "loiras geladas". Muitos dos filmes de Hitchcock têm términos da torção e tramas emocionantes que caracterizam cenas de violência, assassinato e crime. Muitos dos mistérios, no entanto, são usados como chamarizes ou "MacGuffins" que servem os temas do filme e os exames psicológicos dos personagens. Filmes de Hitchcock também emprestar muitos temas da psicanálise e apresentam fortes conotações sexuais. Através de suas aparições em seus próprios filmes, entrevistas, trailers de filmes, bem como o programa de televisão Alfred Hitchcock Presents, tornou-se um ícone cultural.
Hitchcock dirigiu mais de cinquenta filmes em uma carreira de seis décadas. Muitas vezes considerado como o maior cineasta britânico, ele ficou em primeiro lugar em uma pesquisa de 2007, de críticos de cinema em Daily Telegraph da Grã-Bretanha, que disse: "Sem dúvida o maior cineasta a emergir destas ilhas, Hitchcock fez mais do que qualquer diretor de moldar cinema moderno, que seria ser totalmente diferente sem ele. Seu dom era para a narrativa, cruel retendo a informação crucial (de seus personagens e de espectadores) e envolver as emoções da platéia como ninguém. " A revista MovieMaker o descreveu como o cineasta mais influente de todos os tempos, e ele é amplamente considerado como um dos artistas mais significativos do cinema....Nascido em 13 de agosto de 1899, em Leytonstone (então parte de Essex, agora parte de Londres), Inglaterra, Hitchcock era o segundo filho eo mais novo dos três filhos de William Hitchcock (1862-1914), um verdureiro e poulterer, e Emma Jane Hitchcock (née Whelan; 1863-1942). Nomeado Alfred depois que o irmão de seu pai, Hitchcock foi criado como um católico romano e foi enviado para Colégio Salesiano e do Colégio dos Jesuítas clássico escola de Santo Inácio, em Stamford Hill, Londres. Seus pais eram ambos meia-Inglês e metade-Irish ascendência. Ele muitas vezes descrita uma infância solitária e abrigada agravada por sua obesidade.
Cerca de cinco anos de idade, de acordo com Hitchcock, ele foi enviado por seu pai para a delegacia de polícia local com uma nota pedindo o oficial para trancá-lo afastado por cinco minutos como punição por se comportar mal. Este incidente não só implantou um vida medo de policiais em Hitchcock, mas tal tratamento duro e acusações injustas seriam encontrados com freqüência ao longo seus filmes.
Quando Hitchcock tinha 15 anos, seu pai morreu. No mesmo ano, ele deixou St. Ignatius para estudar na Escola London County Council de Engenharia e Navegação no Poplar, Londres. Depois de sair, ele se tornou um desenhista e designer de publicidade com uma empresa de cabo chamado de Henley. Durante a Primeira Guerra Mundial, Hitchcock foi rejeitado para o serviço militar por causa de sua obesidade. No entanto, o jovem se inscreveu para um regimento cadete dos Engenheiros Reais em 1917. Seu stint militar foi limitado: ele recebeu briefings teóricos, exercícios de fim de semana e exercícios. Hitchcock iria marchar ao redor Hyde Park de Londres e foi obrigado a usar perneiras, o acondicionamento adequado de que ele nunca poderia dominar.
Enquanto trabalhava na Henley do, Hitchcock começou a se envolver criativamente. Após a publicação in-house da empresa, The Henley Telegraph, foi fundada em 1919, ele muitas vezes submetidos artigos curtos e, eventualmente, tornou-se um dos seus colaboradores mais prolíficos. Sua primeira peça foi "Gás" (1919), publicado na primeira edição, em que uma jovem mulher imagina que ela está sendo assaltado uma noite em Paris - apenas para o toque para revelar que tudo era apenas uma alucinação na cadeira do dentista , induzida pela anestesia.
Segunda peça de Hitchcock foi "Parte da Mulher" (1919), que envolve as emoções conflitantes um marido sente como ele vê sua esposa, atriz, executar no palco. "Sordid" (1920) envolve uma tentativa de comprar uma espada de um negociante de antiguidades, com outro final torção. O conto "e não havia Rainbow" (1920) foi a primeira escova de Hitchcock com material possivelmente censurável. Um jovem sai à procura de um bordel, só para tropeçar na casa da menina de seu melhor amigo. "O que é Quem?" (1920), enquanto Bem humorado, também foi um precursor do famoso Abbott e Costello "Quem está ligada primeiro?" rotina. "A História da Alimentação Pea" (1920) foi um disquisition satírico sobre as várias tentativas pessoas fizeram ao longo dos séculos para comer ervilhas com sucesso. Sua última peça, "Fedora" (1921), foi a sua contribuição mais curto e mais enigmático. Ele também deu uma descrição surpreendentemente precisa da sua futura esposa, Alma Reville (a quem ele ainda não conhecia).
Hitchcock ficou intrigado com a fotografia e começou a trabalhar na produção de filmes em Londres, trabalhando como designer cartão de título para a sucursal de Londres do que se tornaria Paramount Pictures. Em 1920, ele recebeu uma posição em tempo integral em Islington Studios com seu Americano proprietário, Famous Players-Lasky, e seu sucessor britânico, Gainsborough Pictures, projetar os títulos de filmes mudos. Sua ascensão do designer do título para filmar diretor levou cinco anos. Durante este período, ele se tornou uma combinação incomum de roteirista, diretor de arte e diretor assistente em uma série de cinco filmes para produtor Michael Balcon e diretor Graham Cutts: Mulher para Mulher (1923), The White Shadow (1924), A Aventura Apaixonado (1924), O Blackguard (1925), ea queda do Prude (1925).
De Hitchcock segundo a última colaboração com Cutts, The Blackguard (título alemão Die Prinzessin und der Geiger, 1925), foi produzido no Babelsberg Studios, em Potsdam, perto de Berlim, onde Hitchcock observada parte do making of do filme de FW Murnau The Last Laugh (1924) Ele ficou muito impressionado com o trabalho de Murnau e mais tarde usou muitas técnicas para o projeto conjunto em suas próprias produções. Em um livro-entrevista com François Truffaut, Hitchcock também disse que ele foi influenciado por Destiny filme de Fritz Lang (1921). Ele também foi influenciado por outros cineastas estrangeiros, cujo trabalho ele absorveu como um dos primeiros membros da "seminal "London Film Society, formada em 1925.
Primeiros filmes de Hitchcock enfrentou uma seqüência de má sorte. Seu primeiro projeto como diretor veio em 1922 com o apropriadamente intitulado número 13. A produção foi cancelada devido a problemas financeiros; filmado em Londres, as poucas cenas que tinham sido terminados nesse ponto foram perdidos. Em 1925, Michael Balcon [36] deu Hitchcock outra oportunidade para um crédito de direção com The Pleasure Garden, uma co-produção de Gainsborough ea empresa alemã Emelka, que ele fez no estúdio Geiselgasteig perto de Munique no verão de 1925; o filme foi um fracasso comercial. Em seguida, Hitchcock dirigiu um drama chamado The Eagle Mountain (possivelmente liberado sob a Medo título o 'Deus nos Estados Unidos). Este filme foi finalmente perdido.
Em 1926, a sorte de Hitchcock mudou com seu primeiro filme policial, The Lodger:. A história do London Fog, um filme de suspense sobre a caça de um Jack o tipo Ripper de serial killer em Londres Lançado em janeiro de 1927, foi um grande sucesso comercial e de crítica no Reino Unido. Tal como acontece com muitos de seus trabalhos anteriores, este filme foi influenciado por técnicas expressionistas Hitchcock tinha testemunhado em primeira mão na Alemanha. Alguns comentaristas consideram esta peça como o primeiro verdadeiramente " Hitchcockian " filme, incorporando temas como o" homem errado ".
Após o sucesso de The Lodger, Hitchcock contratou um publicitário para ajudar a fortalecer sua crescente reputação. Em 2 de dezembro de 1926, Hitchcock se casou com sua assistente de direção, Alma Reville, no Oratório de Brompton, em South Kensington, em Londres. A sua única criança, filha Patricia, nasceu em 7 de Julho de 1928. Alma se tornou colaborador mais próximo de Hitchcock, mas suas contribuições para seus filmes (alguns dos quais foram creditados na tela) Hitchcock iria discutir apenas em privado, como ela fez questão de evitar a atenção do público.
Em 1929, Hitchcock começou a trabalhar em seu décimo Blackmail filme. Enquanto o filme ainda estava em produção, o estúdio, British International Pictures (BIP), decidiu convertê-lo para tocar. Como um 'talkie' início, o filme é frequentemente citado pelos historiadores do cinema como um filme marco, e é muitas vezes considerado o primeiro longa-metragem de som britânico. Com o clímax do filme, tendo lugar na cúpula do Museu Britânico, chantagem começou a tradição de Hitchcock usando marcos famosos como pano de fundo para sequências de suspense. Ele também possui uma de suas aparições mais longos, o que mostra ele sendo incomodado por um pequeno menino como ele lê um livro no metro de Londres. Na série PBS Os homens que fizeram The Movies, Hitchcock explicou como ele gravação de som utilizado no início como um elemento especial do filme, enfatizando a palavra "faca" em uma conversa com a mulher suspeita de assassinato. Durante este período, Hitchcock dirigiu segmentos para um BIP revue filme musical Elstree Calling (1930) e dirigiu um curta-metragem que caracteriza dois bolsistas Film semanais, An Affair Elastic (1930). Outra revista musical BIP, Harmonia Heaven (1929), teria tido de entrada menor de Hitchcock, mas o seu nome não aparece nos créditos.
Em 1933, Hitchcock foi mais uma vez a trabalhar para Michael Balcon no Gaumont-britânica Picture Corporation. Seu primeiro filme para a empresa, O Homem Que Sabia Demais (1934), foi um sucesso e seu segundo, A 39 Passos (1935), é muitas vezes considerado um dos melhores filmes do seu período inicial com o British Film Institute classificando-a quarta melhor filme britânico do século 20. Já aclamado na Grã-Bretanha, o sucesso do filme fez um Hitchcock estrelar os EUA, e estabeleceu a quintessência Inglês 'Hitchcock Blonde' Madeleine Carroll como modelo para a sua sucessão de gelo frio e elegantes senhoras principais. [54] Este filme também foi um dos primeiros a introduzir o "MacGuffin". Em Os 39 Degraus, o MacGuffin é um conjunto de planos de design roubado. Hitchcock disse o diretor francês François Truffaut:
Há dois homens sentados em um trem indo para a Escócia e um homem diz ao outro: "Desculpe-me, senhor, mas o que é que parcela estranho que você tem no bagageiro acima de você?", "Oh", diz o outro, "Essa é uma Macguffin.", "Bem", diz o primeiro homem, "o que é um Macguffin?", o outro responde: "É um aparelho para capturar leões nas montanhas escocesas.", "Mas", diz o primeiro homem, "não há leões em montanhas escocesas.", "bem", diz o outro ", então isso não é Macguffin."
Próximo grande sucesso de Hitchcock era seu 1938 filme A Dama Oculta, um filme acelerado sobre a busca de um bondoso velho inglesa Senhorita Froy (Dame May Whitty), que desaparece enquanto a bordo de um trem no país fictício de Bandrika. The Guardian chamou o filme de "um dos maiores filmes do trem de era de ouro do gênero", e um concorrente para o "título de melhor thriller de comédia de todos os tempos". Em 1939, Hitchcock recebeu o New York Film Critics Circle Award para Melhor Diretor, a única vez que ele recebeu um prêmio por sua direção. O filme ocupa com freqüência entre os melhores filmes britânicos de todos os tempos.
Em 1938, Hitchcock tinha se tornado conhecido por sua suposta observação: "Os atores são gado". Ele disse uma vez que ele primeiro fez esta observação tão cedo quanto o final de 1920, em relação ao palco atores que estavam esnobe sobre filmes. No entanto, Michael Redgrave disse que Hitchcock fez a declaração durante as filmagens de A Dama Oculta. A frase iria assombrar Hitchcock para os próximos anos. Durante as filmagens de sua produção de Mr. & Mrs. Smith 1941, Carole Lombard trouxe algumas novilhas para o set com etiquetas de nome de Lombard, Robert Montgomery, e Gene Raymond, as estrelas do filme, para surpreender o diretor. Hitchcock disse que foi mal citado: ". Eu disse 'Atores devem ser tratados como gado'"
Elogiado na Grã-Bretanha, onde foi apelidado de "Alfred, o Grande" pela revista Picturegoer, até o final da década de 1930 a reputação de Hitchcock estava começando a soar no exterior, com um escritor recurso New York Times afirmando; "Três instituições únicas e valiosas os britânicos têm que na América não tem. Magna Carta, a Tower Bridge e Alfred Hitchcock, o maior diretor de melodramas de tela do mundo". revista Variety referia a ele como "provavelmente o melhor diretor nativa na Inglaterra. " David O. Selznick assinado Hitchcock para um contrato de sete anos a partir de março de 1939, e as Hitchcocks mudou-se para Hollywood. ...Em Hollywood, o suspense eo humor negro que se tornou a marca registrada de Hitchcock no filme continuou a aparecer em suas produções. Os acordos de trabalho com Selznick eram menos do que o ideal. Selznick sofria de problemas de dinheiro constante, e Hitchcock foi muitas vezes insatisfeito com o controle criativo de Selznick sobre seus filmes. Numa entrevista posterior, Hitchcock resumiu a relação de trabalho assim:
Alfred Hitchcock com Chandran Rutnam (centro) e Sri Lanka realizador Anton Wickremasinghe, o Academy Awards em Los Angeles.
[Selznick] foi o Big Producer. ... Produtor era rei, A coisa mais lisonjeira Mr. Selznick já disse sobre mim, e mostra-lhe a quantidade de controle, ele disse que eu era o "único diretor" ele "confiança com um filme".
Selznick emprestou Hitchcock para os estúdios maiores com mais freqüência do que produzir filmes de Hitchcock ele mesmo. Selznick, bem como companheiro produtor independente Samuel Goldwyn, fez apenas alguns filmes a cada ano, de modo que ele nem sempre tem projetos de Hitchcock para dirigir. Goldwyn também tinha negociado com Hitchcock em um possível contrato, apenas para ser superado por Selznick. Hitchcock foi rapidamente impressionado com os recursos superiores dos estúdios americanos em comparação com os limites financeiros muitas vezes ele havia enfrentado na Inglaterra.
Com o prestígio Selznick imagem Rebecca em 1940, Hitchcock fez o seu primeiro filme americano, situado em uma versão de Hollywood da Inglaterra West Country e baseado em um romance de Inglês autor Daphne du Maurier. O filme estrelado por Laurence Olivier e Joan Fontaine. A história diz respeito a um ingênuo (e sem nome) jovem que se casa com um aristocrata viúva. Ela vai morar em sua enorme casa de campo Inglês, e esforça-se com a reputação persistente da primeira esposa elegante e mundana, cujo nome era Rebecca, e que morreu em circunstâncias misteriosas. O filme ganhou o Oscar de Melhor Filme de 1940. A estatueta foi dado a Selznick, como o produtor do filme. Hitchcock foi indicado para o prêmio de Melhor Diretor, o seu primeiro de cinco dessas indicações, mas não ganhou .
Houve problemas adicionais entre Selznick e Hitchcock, com Selznick conhecido por impor normas restritivas sobre Hitchcock. Ao mesmo tempo, Selznick reclamou sobre "corte-cabeça maldita" de Hitchcock, o que significava que o produtor não tinha quase a margem de manobra para criar seu próprio filme, como ele gostava, mas tinha de seguir a visão de Hitchcock do produto acabado. Rebecca foi a quarta mais longa de filmes de Hitchcock, em 130 minutos, superado apenas pelo The Paradine Case (132 minutos), North by Northwest (136 minutos), e Topaz (142 minutos).
O segundo filme de Hitchcock americana, a Foreign Correspondent Europeia-set suspense (1940), baseado na história de Vincent Sheean pessoais e produzido por Walter Wanger, foi nomeado para Melhor Filme daquele ano. Hitchcock e outros súditos britânicos sentiu desconfortável de estar e trabalhar em Hollywood, enquanto seu país estava em guerra; sua preocupação resultou em um filme que abertamente apoiou o esforço de guerra britânico. O filme foi filmado no primeiro ano da Segunda Guerra Mundial e foi inspirado pelas rápidas mudanças eventos na Europa, como ficcionalmente coberto por um repórter de jornal americano retratou por Joel McCrea. A filmagem mista filme de cenas europeus com cenas filmadas em uma Hollywood volta muito. O filme evitou referências diretas ao nazismo, Alemanha e alemães para dar cumprimento à censura Código de Produção de Hollywood.
Filmes de Hitchcock durante a década de 1940 foram diversas, que vão desde a comédia romântica Mr. & Mrs. Smith (1941) ao drama de tribunal The Paradine Case (1947) para o filme noir escuro e perturbador Shadow of a Doubt (1943).
Em setembro de 1940, o Hitchcocks comprou o 200 hectares (0,81 km2) Cornwall Ranch, perto de Scotts Valley nas Montanhas de Santa Cruz. A fazenda se tornou a residência principal dos Hitchcocks para o resto de suas vidas, embora eles mantiveram sua casa em Bel Air. Suspeita (1941) marcou o primeiro filme de Hitchcock como produtor, bem como diretor. O filme foi criado na Inglaterra, e Hitchcock usou o litoral norte de Santa Cruz, Califórnia, para a sequência costa Inglês. Este filme era para ser a primeira vez que o ator Cary Grant trabalhar com Hitchcock, e foi uma das poucas vezes que Grant seria escalado para um papel sinistro. Joan Fontaine ganhou Melhor Atriz Oscar para o seu "excelente desempenho em Suspicion". Grant desempenha um irresponsável Inglês con homem cujas ações levantar suspeita e ansiedade em seu tímido jovem esposa Inglês (Fontaine). Em uma cena notável, Hitchcock usa uma lâmpada para iluminar o que poderia ser um copo de leite fatal que Grant está trazendo para sua esposa. No livro, o filme é baseado em (antes do fato por Francis Iles), o personagem Grant é um assassino, mas Hitchcock eo estúdio me senti imagem de Grant seria manchada por esse final. Apesar de um homicídio teria lhe convinha melhor, como ele declarou François Truffaut para, Hitchcock resolvidos para um final ambíguo.
Saboteur (1942) foi o primeiro de dois filmes que Hitchcock fez para Universal, um estúdio onde ele iria continuar a sua carreira durante seus últimos anos. Hitchcock foi forçado a usar jogadores contratados Universal Robert Cummings e Priscilla Lane, ambos conhecidos por seu trabalho em comédias e dramas de luz. Rompendo com as convenções de Hollywood da época, Hitchcock fez extensa filmagens localização, especialmente em Nova York, e representado um confronto entre um sabotador suspeita (Cummings) e um sabotador real (Norman Lloyd) no topo da Estátua da Liberdade. Naquele ano, ele também dirigiu Você já ouviu falar ?, uma dramatização fotográfico dos perigos de rumores durante a guerra, para a revista Life.
Shadow of a Doubt (1943), o favorito de Hitchcock de todos os seus filmes e o segundo dos primeiros filmes da Universal, estava prestes jovem Charlotte "Charlie" Newton (Teresa Wright), que suspeita que seu amado tio Charlie Oakley (Joseph Cotten ) de ser um assassino serial. Hitchcock filmou novamente extensivamente no local, desta vez na cidade do Norte da Califórnia de Santa Rosa, durante o verão de 1942. O diretor exibiu seu fascínio pessoal com o crime e os criminosos quando ele tinha dois de seus personagens discutem várias maneiras de matar pessoas, para a irritação óbvia de Charlotte.
Trabalhando na 20th Century Fox, Hitchcock adaptado um roteiro de John Steinbeck que registrou as experiências dos sobreviventes de um ataque submarino alemão no filme Lifeboat (1944). As seqüências de ação foram filmadas em um pequeno barco no reservatório de água de estúdio. A localidade também levantou problemas para aparição tradicional de Hitchcock. Isso foi resolvido por ter a imagem de Hitchcock aparecer em um jornal que William Bendix está lendo no barco, mostrando o diretor em um anúncio antes-e-depois de "Reduco-obesidade Assassino".
Enquanto a Fox, Hitchcock considerou seriamente dirigir a versão cinematográfica do romance de AJ Cronin sobre um padre católico na China, As Chaves do Reino, mas os planos para este caiu completamente. John M. Stahl acabou dirigindo o filme de 1944, que foi produzido por Joseph L. Mankiewicz e estrelado por Gregory Peck, entre outros luminares.
Retornando à Inglaterra para uma visita prolongada no final de 1943 e início de 1944, Hitchcock fez duas curtas-metragens para o Ministério da Informação, Bon Voyage e Aventure Malgache britânico. Os dois filmes de propaganda britânicas feitas para a França Livre, foram os únicos filmes Hitchcock fez em língua francesa, e "apresentam toques típicos hitchcockianos". Na década de 1990, os dois filmes foram exibidos por Turner Classic Movies e lançado em home vídeo.
A partir do final de junho até o final de julho de 1945, Hitchcock serviu como "conselheiro tratamento" em um documentário que usou Holocausto metragem fornecidas pelas Forças Aliadas. Produzido por Sidney Bernstein do Ministério da Informação britânico, o filme foi montado em Londres, e Bernstein trouxe seu futuro parceiro 1948-1949 produção Hitchcock a bordo como consultor para o processo de edição de filmes para o Ministério Britânico da Informação e do Instituto Americano de informação da guerra. Encomendado para fornecer provas irrefutáveis dos crimes dos nazistas , o filme, que em 1952 tinha sido transferido dos cofres Film Office de guerra britânico para Imperial War Museum de Londres, registrou a libertação dos campos de concentração nazistas, e permaneceu inédito até 1985, quando uma versão editada foi transmitido como um episódio da série da rede PBS Frontline sob o título de Imperial War Museum tinha dado:. memória dos Campos Em 2014, a versão completa do filme, campos de concentração alemães Factual Survey, foi concluída e restaurado por estudiosos de cinema no Imperial Museu da Guerra.
Hitchcock trabalhou para Selznick novamente quando ele dirigiu Spellbound (1945), que explorou a psicanálise e contou com uma sequência de sonho desenhado por Salvador Dalí. Gregory Peck joga amnésico Dr. Anthony Edwardes sob o tratamento de analista Dr. Peterson (Ingrid Bergman), que se apaixona por ele durante a tentativa de desbloquear o seu passado reprimido. A seqüência de sonho como aparece no filme é de dez minutos mais curto do que estava inicialmente previsto, tendo sido editada por Selznick para torná-lo "jogar" de forma mais eficaz. Dois tiros de ponto-de-vista foram alcançados através da construção de uma grande mão de madeira (que parecem pertencer ao personagem cujo ponto de visualizar a câmera pegou) e para fora porte adereços para que ele mantenha: um copo de tamanho balde de leite e uma grande arma de madeira. Para novidade acrescentado e do impacto, o tiro clímax foi mão-colorido vermelho em (alguns exemplares de) O filme preto-e-branco. Alguns dos partitura original por Miklós Rózsa (que faz uso do theremin) foi mais tarde adaptado pelo compositor em um concerto concerto de piano.
Notorious (1946), seguido Spellbound. De acordo com Hitchcock, em seu livro-entrevista com François Truffaut, Selznick vendeu o diretor, as duas estrelas (Grant e Bergman) eo roteiro (por Ben Hecht) para RKO Radio Pictures como um "pacote" para $ 500.000 devido a derrapagens de custos no duelo do Selznick in the Sun (1946). Notorious estrelou Hitchcock regulares Ingrid Bergman e Cary Grant, e apresenta um enredo sobre nazistas, urânio, e América do Sul. Foi um enorme sucesso de bilheteria e manteve-se um dos filmes mais aclamados de Hitchcock. Seu uso presciente de urânio como um dispositivo do lote levou a Hitchcock ser brevemente sob vigilância do FBI. McGilligan escreve que Hitchcock consultado Dr. Robert Millikan de Caltech sobre o desenvolvimento de uma bomba atômica. Selznick reclamou que a idéia era "ficção científica", apenas para ser confrontado com as notícias da detonação de duas bombas atômicas sobre Hiroshima e Nagasaki, no Japão, em agosto de 1945.
Depois de completar seu último filme para Selznick, The Paradine Case (1947), (um drama de tribunal que os críticos encontrados ímpeto perdido porque, aparentemente, correu muito longo e esgotado a sua fonte de ideias), Hitchcock formou uma produtora independente com seu amigo Sidney Bernstein chamado Fotos transatlânticas, através do qual ele fez dois filmes, o seu primeiro na cor e fazendo uso de tomadas longas. Com Corda (1948), Hitchcock experimentou com empacotamento suspense em um ambiente confinado, como fizera antes com Lifeboat (1943). Parecendo ter sido baleado em um único take, Corda foi gravado em 10 leva variando de quatro anos e meio para 10 minutos cada; um comprimento de 10 minutos de filme ser revista máxima de filme de uma câmera poderia segurar na época. Algumas transições entre as bobinas estavam escondidos por ter um objeto escuro preencher a tela inteira por um momento. Hitchcock usou esses pontos para esconder o corte, e começou a próxima tomada com a câmera no mesmo lugar. Apresentando James Stewart para o papel principal, Corda foi o primeiro de quatro filmes Stewart faria com Hitchcock. Ele foi inspirado pelo caso Leopold e Loeb da década de 1920. De alguma forma, cameraman de Hitchcock conseguiu mover a, câmera Technicolor volumoso e pesado rapidamente em torno do jogo como ele seguiu a ação contínua da longa demora.
Under Capricorn (1949), definido no século XIX, na Austrália, também usou a técnica de curta duração de tomadas longas, mas a uma extensão mais limitada. Ele novamente usou Technicolor nessa produção, em seguida, retornou para filmes em preto-e-branco durante vários anos. Fotos transatlânticas tornou-se inativo após estes dois filmes mal sucedidos. Mas Hitchcock continuou a produzir seus próprios filmes para o resto de sua vida.
Hitchcock filmou Stage Fright (1950) no Reino Unido. Pela primeira vez, ele combinou um dos Warner Bros. " estrelas mais populares, Jane Wyman, com a atriz alemã Marlene Dietrich sensual. Hitchcock utilizou vários atores britânicos de destaque, incluindo Michael Wilding, Richard Todd, e Alastair Sim. Esta foi a primeira produção de Hitchcock para a Warner Bros., que havia distribuído Rope and Under Capricorn, porque Transatlantic Pictures estava passando por dificuldades financeiras.
Com o filme Strangers on a Train (1951), baseado no romance de Patricia Highsmith, Hitchcock combinado muitos elementos de seus filmes anteriores. Ele se aproximou de Dashiell Hammett para escrever o diálogo, mas Raymond Chandler assumiu, em seguida, à esquerda sobre desentendimentos com o diretor. Dois homens casualmente se encontram, um dos quais especula sobre uma técnica infalível assassinato. Ele sugere que duas pessoas, cada um que desejam acabar com alguém, cada um deve executar o assassinato do outro. O papel de Farley Granger era como a vítima inocente do regime, enquanto Robert Walker, anteriormente conhecida por "menino-next-door" papéis, interpretou o vilão.
Lew Wasserman cabeça MCA, cuja lista de clientes incluía James Stewart, Janet Leigh e outros atores que iria aparecer em filmes de Hitchcock, teve um impacto significativo em filmes de embalagem e comercialização de Hitchcock começando na década de 1950.
Após I Confess (1953) com Montgomery Clift, três filmes populares, estrelado por Grace Kelly seguido. Dial M for Murder (1954) foi adaptado da peça de teatro por Frederick Knott. Ray Milland interpreta o vilão conspirações, um ex-pro tênis que tenta assassinar sua esposa infiel (Kelly) para o seu dinheiro. Quando ela mata o assassino de aluguel em auto-defesa, Milland manipula a evidência para fazer com que pareça um assassinato premeditado por sua esposa. Seu amante, Mark Halliday (Robert Cummings), e inspetor de polícia Hubbard (John Williams), trabalhar com urgência para salvá-la de execução. Com Dial M, Hitchcock experiências com cinema 3D. O público estava ficando cansado do gimmick na época de lançamento do filme, no entanto, e foi mostrado em 3D apenas em alguns primeira execução compromissos. A versão 3D foi revivida ocasionalmente, incluindo uma breve reedição em algumas das principais cidades dos Estados Unidos na década de 1980. O filme marcou o retorno às produções de cores para Hitchcock.
Hitchcock, em seguida, mudou-se para a Paramount Pictures e Janela Indiscreta filmado (1954), estrelado por James Stewart e Kelly novamente, assim como Thelma Ritter e Raymond Burr. O personagem de Stewart, um fotógrafo baseado em Robert Capa, deve usar temporariamente uma cadeira de rodas; fora de tédio, ele começa observando seus vizinhos do outro lado do pátio, e se convence um deles (Raymond Burr) assassinou sua esposa. Stewart tenta influenciar tanto a sua glamourosa modelo-namorada (Kelly), a quem o roteirista John Michael Hayes com base em sua própria esposa, e seu amigo policial (Wendell Corey) a sua teoria, e, eventualmente, tiver êxito. Tal como acontece com barco salva-vidas e Corda, os personagens principais foram quase totalmente confinada a um pequeno espaço, neste caso estúdio minúsculo de Stewart com vista para um pátio enorme. Hitchcock usou close-ups do rosto de Stewart para mostrar as reações de seu personagem para tudo o que ele vê ", do voyeurismo quadrinhos dirigida a seus vizinhos para seu terror impotente observando Kelly e Burr no apartamento do vilão".
Em 1955, Hitchcock tornou-se um cidadão dos Estados Unidos. Seu terceiro filme Kelly, To Catch a Thief (1955), situado na Riviera Francesa, emparelhado-la com Cary Grant. Ele joga ladrão aposentado John Robie, que se torna o principal suspeito por uma série de roubos na Riviera. A herdeira americana emoção que procuram interpretado por Kelly supõe sua verdadeira identidade e tenta seduzi-lo. "Apesar da disparidade idade óbvia entre Grant e Kelly e um enredo leve, o script espirituoso (carregados com duplos sentidos) ea atuação de boa índole provou ser um sucesso comercial." Foi o último filme de Hitchcock com Kelly. Ela se casou com o príncipe Rainier de Mônaco em 1956, e os moradores de sua nova terra estavam contra ela fazendo mais filmes.
Hitchcock refeito com sucesso seu próprio filme de 1934 The Man Who Knew Too Much em 1956. Desta vez, o filme estrelado por Stewart e Doris Day, que cantou a música-tema, "Que Sera, Sera (Whatever Will Be, Will Be)", que ganhou o Oscar de Melhor Canção Original e se tornou um grande sucesso para ela. Eles desempenham um casal cujo filho é seqüestrado para impedi-los de interferir com um assassinato. Como no filme de 1934, o clímax ocorre no Royal Albert Hall, em Londres.
The Wrong Man (1957), último filme de Hitchcock para a Warner Bros., foi uma produção em preto-e-branco low-key baseado em um caso real de confusão de identidade relatado na revista Life em 1953. Este foi o único filme de Hitchcock para estrelar Henry Fonda. Fonda interpreta um músico Stork Club confundido com um ladrão loja de bebidas que está preso e julgado por assalto à mão, enquanto sua esposa (a estreante Vera Miles) entra em colapso sob a tensão emocional. Hitchcock Truffaut disse que o seu temor ao longo da vida da polícia atraiu-o para o assunto e foi incorporado em muitas cenas.
Vertigo (1958) novamente estrelou Stewart, desta vez com Kim Novak e Barbara Bel Geddes. Stewart interpreta "Scottie", um ex-investigador de polícia sofre de acrofobia, que desenvolve uma obsessão com uma mulher que ele está sombreamento (Novak). A obsessão de Scottie leva à tragédia, e desta vez Hitchcock não optar por um final feliz. O filme contém uma câmara técnica desenvolvida por Irmin Roberts que foi copiado muitas vezes por cineastas, em que a imagem parece "esticar". Isto é conseguido movendo a câmara na direcção oposta de zoom da câmara. Tornou-se conhecido por vários apelidos, incluindo Dolly zoom, "Zolly", "Hitchcock Zoom" e "Efeito Vertigo".
Embora o filme é amplamente considerado um clássico hoje, Vertigo recebido com críticas negativas e receitas de bilheteira pobres Após a sua libertação, e foi a última colaboração entre Stewart e Hitchcock. [100] Embora ficou em segundo lugar (atrás de Cidadão Kane) há quase 50 anos, os filme foi eleito o melhor pela crítica em 2012 Sight & Sound década enquete. Ele estreou na San Sebastián International Film Festival, onde Hitchcock ganhou um Seashell prata.
Por esta altura, Hitchcock tinha filmado em muitas áreas dos Estados Unidos. Ele seguiu Vertigo com três filmes mais bem sucedidos. Dois também são reconhecidos como entre os seus melhores filmes: North by Northwest (1959) e Psicose (1960). O terceiro filme foi The Birds (1963).
Em North by Northwest, Cary Grant interpreta Roger Thornhill, um executivo de publicidade da Madison Avenue, que é confundido com um agente secreto do governo. Ele é perseguido pelos Estados Unidos por agentes inimigos, aparentemente, sendo um deles Eve Kendall (Eva Marie Santo), de fato trabalhando disfarçado.
Psicose é quase certamente o mais conhecido filme de Hitchcock. Produzido em um orçamento restrito de US $ 800.000, que foi filmado em preto-e-branco sobre um conjunto de reposição utilizando os membros da tripulação de seu programa de televisão Alfred Hitchcock Presents. [105] O sem precedentes violência da cena do chuveiro, a morte precoce da heroína, as vidas inocentes extintas por um assassino perturbado tornou-se a imagem de marca que definem um novo gênero de filme de terror e ter sido copiado por muitos autores de filmes subseqüentes.
O público amou o filme, com linhas que se estende fora de teatros como as pessoas tinham que esperar para a próxima exibição. Ele quebrou recordes de bilheteria na China E no resto da Ásia, França, Grã-Bretanha, América do Sul, Estados Unidos e Canadá, e foi um sucesso moderado na Austrália por um breve período. Ele foi o mais filme rentável preto-e-branco de som já feito, e os mais rentáveis da carreira de Hitchcock; Hitchcock pessoalmente ganhou bem mais de US $ 15 milhões. Em seguida, ele trocou os seus direitos para psicótico e sua antologia de TV para 150.000 partes de MCA, tornando-se o terceiro maior acionista da MCA Inc. e seu próprio patrão na Universal, pelo menos em teoria, mas isso não os impediu de interferir com ele. "segunda mais lucrativa foi Plot família de Hitchcock, ganhando US $ 7,5 milhões, eo terceiro lugar foi um empate entre Cortina Rasgada (1966) e Frenzy (1972), cada um ganhando US $ 6,5 milhões.
Os pássaros, inspirado por um conto de Inglês autor Daphne du Maurier e por uma notícia sobre uma infestação misteriosa de aves em Capitola, Califórnia, foi o filme 49 de Hitchcock, e foi filmado em Bodega Bay, Califórnia. Iniciante Tippi Hedren fez sua estréia no cinema com o filme, co-estrelado por Rod Taylor e Suzanne Pleshette. As cenas dos pássaros atacando incluiu centenas de tiros de mistura sequências vivos e animados. A causa do ataque dos pássaros é deixada sem resposta ", talvez destacando o mistério de forças desconhecidas". Hitchcock lançou Hedren novamente ao lado de Sean Connery em seu próximo filme, Marnie, um drama romântico e thriller psicológico. Décadas mais tarde, Hedren chamado Hitchcock um misógino e disse que Hitchcock efetivamente terminou sua carreira, mantendo-a a um contrato de exclusividade por dois anos, quando ela rejeitou seus avanços sexuais. No entanto, Hedren apareceu em dois programas de TV durante os dois anos depois de Marnie, e em mais de oitenta filmes e programas de TV após esse período Em 2012, Hedren descrito Hitchcock como um "personagem triste."; um homem de "gênio incomum", mas "o mal, e desviante, quase ao ponto de perigoso, por causa do efeito que poderia ter sobre as pessoas que eram totalmente confiante." Em resposta, um artigo de jornal Daily Telegraph citou vários atrizes que trabalharam com Hitchcock, incluindo Eva Marie Sant, Doris Day e Kim Novak, nenhum dos quais compartilhou a opinião de Hedren sobre ele. Novak, que trabalhou no Vertigo de Hitchcock, disse ao Telegraph "Eu nunca o vi fazer um passe na alguém ou agir estranho para ninguém. "
Psicose e Os Pássaros teve trilhas sonoras não convencionais: os cordões guinchando jogado na cena do assassinato em Psicose foram extraordinariamente dissonante, e as aves dispensada qualquer pontuação convencional, em vez de usar uma nova técnica de efeitos sonoros produzidos eletronicamente. Bernard Herrmann compôs a antiga e foi consultor no último.
Problemas de saúde reduziu a produção de Hitchcock durante as duas últimas décadas de sua carreira. O biógrafo Stephen Rebello alegou Universais "forçadas" dois filmes sobre ele, Cortina rasgada e Topaz. Ambos foram thrillers de espionagem definida com temas relacionados-Guerra Fria. O primeiro Cortina, Torn (1966), com Paul Newman e Julie Andrews, precipitou o fim da colaboração de doze anos entre Hitchcock e compositor Bernard Herrmann. Herrmann foi demitido quando Hitchcock estava insatisfeito com sua pontuação. Topázio (1969), baseado em um romance de Leon Uris, é parcialmente definida em Cuba. Ambos recebeu críticas mistas dos críticos.
Em 1972, Hitchcock retornou à Inglaterra para filmar seu segundo ao último filme Frenzy. Depois de dois filmes apenas moderadamente bem-sucedidos de espionagem, a trama marca um retorno ao gênero thriller de assassinato do início de sua carreira, e é baseado no romance Adeus Piccadilly, de adeus de Leicester Square. O enredo gira em torno de um serial killer na Londres contemporânea. Em uma cena muito cedo existe diálogo que menciona dois casos de assassinato de Londres série reais: os assassinatos Christie, no início da década de 1950, e de Jack, o Estripador assassinatos em 1888. A história básica recicla seu filme The Lodger cedo. Richard Blaney (Jon Finch), um barman volátil, com uma história de raiva explosiva, se torna o principal suspeito para os "Crimes gravata", que são, na verdade, cometidos por seu amigo Bob Rusk (Barry Foster). Desta vez, Hitchcock faz A vítima e vilão famílias, em vez de opostos, como em Strangers on a Train. Apenas um deles, no entanto, cruzou a linha de assassinato. Pela primeira vez, Hitchcock permitido nudez e linguagem profana, que tinha sido anteriormente tabu, em um de seus filmes. Ele também mostra simpatia rara para o inspector-chefe e sua vida doméstica cômico.
Biógrafos notaram que Hitchcock tinha sempre empurraram os limites da censura de filmes, muitas vezes conseguindo enganar Joseph Breen, o chefe de longa data do Código de Produção de Hollywood. Muitas vezes Hitchcock avançou dicas sutis de impropriedades proibidos pela censura até meados dos anos 1960. No entanto, Patrick McGilligan escreveu que Breen e os outros muitas vezes percebi que Hitchcock estava inserindo essas coisas e foram realmente divertido, bem como alarmado com "inferências inevitáveis" de Hitchcock. Começando com Cortina Rasgada, Hitchcock foi finalmente capaz de incluir descaradamente elementos do enredo anteriormente proibidos em filmes americanos e isto continuou durante o resto de sua carreira no cinema.
Lote Família (1976) foi o último filme de Hitchcock. Ele relata as aventuras de "Senhora" Blanche Tyler, interpretado por Barbara Harris, um espiritualista fraudulenta, e seu amante motorista de táxi Bruce Dern, tornando a vida com seus poderes falsos. William Devane, Karen Black e Cathleen Nesbitt co-estrelou. É o único filme de Hitchcock marcado por John Williams. Baseado no romance de Victor Canning A Rainbird Padrão, o tom do romance é mais sinistro e escuro do que o que Hitchcock queria para o filme. O roteirista Ernest Lehman originalmente escreveu o filme com um tom escuro, mas foi empurrado para um tom mais leve, mais cômico por Hitchcock. O filme passou por diversos títulos, incluindo Deceit e herdeiro faltando. Foi alterado para Plot família por sugestão do estúdio.
Perto do fim de sua vida, Hitchcock tinha trabalhado no roteiro de um thriller de espionagem projetada, The Short Noite, colaborando com os roteiristas James Costigan, Ernest Lehman e David Freeman. Apesar de alguns trabalhos preliminares, a história nunca foi filmado. Isto foi causado principalmente pela própria saúde sob pena de Hitchcock e suas preocupações sobre a saúde de sua esposa, Alma, que havia sofrido um acidente vascular cerebral. O roteiro foi finalmente publicado em 1999 o livro de Freeman Os Últimos Dias de Alfred Hitchcock.
Hitchcock morreu aos 80 anos em sua casa em Bel Air de insuficiência renal às 9:17 am EDT em 29 de abril de 1980. Enquanto biógrafo Spoto escreveu que Hitchcock "rejeitou as sugestões de que ele permitem que um padre ... para vir para uma visita, ou comemorar, um ritual informal tranquila na casa para seu conforto ", padre jesuíta Padre Mark Henninger escreveu que ele e seu colega padre Tom Sullivan celebrou a Santa Missa na casa do cineasta; Pai Sullivan ouviu a confissão de Hitchcock. Ele foi socorrido por sua esposa e sua filha. O funeral de Hitchcock missa foi realizada no Bom Pastor Igreja Católica em Beverly Hills em 30 de abril de 1980, após o qual seu corpo foi cremado e seus restos mortais foram espalhados sobre o Oceano Pacífico em 10 de Maio de 1980....Hitchcock aparece rapidamente na maioria dos seus próprios filmes. Por exemplo, ele é visto lutando para obter um contrabaixo em um trem (Strangers on a Train), cães andando fora de um pet shop (The Birds), que fixa relógio de um vizinho (Janela Indiscreta), como uma sombra (Lote da família) , sentado a uma mesa em uma fotografia (Dial M for Murder) e faltando um ônibus (North by Northwest).
Ver artigo principal: Temas e dispositivos de enredo nos filmes de Alfred Hitchcock
Hitchcock retornou várias vezes para dispositivos cinematográficos como suspense, o público como voyeur, e seu "MacGuffin" bem conhecido um dispositivo do lote que é essencial para os personagens na tela, mas é irrelevante para o público. Assim, o MacGuffin estava sempre vagamente descritas (em "North By Northwest," Leo G. Carroll descreve James Mason como um "importador-exportador").
Filmes de Hitchcock, por vezes, apresentam personagens lutando em suas relações com suas mães. Em North by Northwest (1959), Roger Thornhill (personagem de Cary Grant) é um homem inocente ridicularizado por sua mãe por insistir que sombria, homens assassinos estão atrás dele. Em Os Pássaros (1963), o personagem Rod Taylor, um homem inocente, encontra o seu mundo sob ataque de pássaros viciosos, e luta para libertar-se de uma mãe apego (Jessica Tandy). O assassino em Frenzy (1972) tem um ódio das mulheres, mas idolatra sua mãe. O vilão Bruno em Strangers on a Train odeia seu pai, mas tem uma relação extremamente próxima com sua mãe (interpretada por Marion Lorne). Sebastian (Claude Rains) no Notorious tem uma relação conflituosa com clareza sua mãe, que é (corretamente) suspeito de sua nova noiva Alicia Huberman (Ingrid Bergman). Norman Bates tem problemas com sua mãe em Psicose.
Heroínas de Hitchcock tendem a ser loiras. As vítimas famosas na The Lodger são todas as loiras. Em Os 39 Degraus, glamourosa estrela loira de Hitchcock, Madeleine Carroll, é posto em algemas. Em Marnie (1964), o personagem-título (interpretada por Tippi Hedren) é um ladrão. Em To Catch a Thief (1955), Francie (Grace Kelly) se oferece para ajudar um homem que ela acredita ser um assaltante. Na Janela Indiscreta, Lisa (Grace Kelly novamente) arrisca sua vida por invadir o apartamento de Lars Thorwald. O exemplo mais conhecido é em Psicose onde o personagem de Janet Leigh infeliz rouba US $ 40.000 e é assassinado por um psicopata solitário. Última heroína loira de Hitchcock foi-anos após Dany Robin e sua "filha" Claude Jade em Topaz-Barbara Harris como um vidente detetive amador virou falso em seu último filme de 1976 do Lote da família. No mesmo filme, o contrabandista de diamantes interpretado por Karen Black também poderia caber esse papel, como ela usa uma peruca loira longa em várias cenas e se torna cada vez mais desconfortável sobre sua linha de trabalho.
Alguns críticos e estudiosos Hitchcock, incluindo Donald Spoto e Roger Ebert, concorda que representa Vertigo filme mais pessoal e revelador do diretor, lidando com as obsessões de um homem que uma mulher ofícios em que a mulher que ele deseja. Vertigo explora mais franca e mais longamente o seu interesse na relação entre sexo e morte do que qualquer outro filme em sua filmografia.
Hitchcock comentou certa vez: "O escritor e eu planejar o roteiro inteiro até ao mais ínfimo detalhe, e quando nós terminamos tudo o que resta a fazer é rodar o filme. Na verdade, é somente quando se entra no estúdio que se entra no área de compromisso. Realmente, o romancista tem a melhor seleção de elenco desde que ele não tem que lidar com os atores e todo o resto ". Em uma entrevista com Roger Ebert em 1969, Hitchcock mais elaborada:
Uma vez que o roteiro está terminado, eu tinha acabado, logo não fazer o filme em tudo ... Eu tenho uma mente fortemente visual. Eu visualizo uma imagem direita para baixo para os cortes finais. Eu escrevo tudo isso com o maior pormenor no script, e então eu não olhar para o script enquanto estou filmando. Eu sei-o de coração, assim como um regente de orquestra não precisa olhar para a pontuação ... Quando terminar o roteiro, o filme é perfeito. Mas em fotografá-la talvez você perde 40 por cento de sua concepção original.
Em Escrita com Hitchcock, um estudo do livro de comprimento do método de trabalho de Hitchcock com seus escritores, autor Steven DeRosa observou que "Embora ele raramente fazia qualquer" escrita "real, especialmente em suas produções de Hollywood, Hitchcock acompanhado e orientado seus escritores através de cada projecto, insistindo em uma estrita atenção aos detalhes e uma preferência para contar a história através de meios visuais, em vez de verbal. Enquanto isso exasperado alguns escritores, outros admitiu o diretor inspirou-os a fazer o seu melhor trabalho. Hitchcock muitas vezes enfatizou que ele levou nenhum crédito ecrã para a escrita de seus filmes. No entanto, ao longo do tempo o trabalho de muitos de seus escritores tem sido atribuída exclusivamente ao gênio criativo de Hitchcock, um equívoco que raramente saiu do seu caminho para corrigir. Não obstante seu brilhantismo técnico como diretor, Hitchcock confiou em sua escritores um grande negócio. "
Filmes de Hitchcock foram fortemente acredita ter sido extensivamente storyboarded ao mais ínfimo pormenor pela maioria dos comentaristas ao longo dos anos. Ele foi relatado para ter nunca sequer incomodou olhando através do visor, uma vez que ele não precisava, embora em fotos publicitárias ele foi mostrado fazê-lo. Ele também usou isso como desculpa para nunca ter que mudar seus filmes a partir de sua visão inicial. Se um estúdio pediu-lhe para alterar um filme, ele diria que ele já foi baleado em um único caminho, e que não havia alternativa leva a considerar.
No entanto, este ponto de vista de Hitchcock como um diretor que confiava mais em pré-produção do que na própria produção real foi contestada pelo livro Hitchcock no Trabalho, escrito por Bill Krohn, o correspondente americano da Cahiers du Cinéma. Krohn, depois de investigar várias revisões de script, observa a outros pessoal de produção escritos por ou para Hitchcock ao lado de inspeção de storyboards, e outro material de produção, observou que a obra de Hitchcock muitas vezes desviado como o roteiro foi escrito ou como o filme foi originalmente concebido. Ele observou que o mito de storyboards em relação à Hitchcock, muitas vezes regurgitados por gerações de comentadores de seus filmes, foi em grande medida perpetuado por ele próprio ou o braço publicidade dos estúdios de Hitchcock. Um grande exemplo seria a sequência de pulverização de culturas célebre de North by Northwest, que não foi storyboarded em tudo. Após a cena foi filmada, o departamento de publicidade pediu Hitchcock para fazer storyboards para promover o filme e Hitchcock por sua vez, contratou um artista para coincidir com as cenas em detalhes.
Mesmo quando foram feitas storyboards, cenas que foram filmadas diferiam significativamente. Extensa análise da produção de clássicos como Hitchcock Notorious Krohn revela que Hitchcock era flexível o suficiente para mudar a concepção de um filme durante a sua produção. Outro exemplo Krohn observa é o remake americano de The Man Who Knew Too Much, cujo cronograma de filmagem começou sem um roteiro pronto e, além disso, passou por cima agenda, algo que, como observa Krohn, não era uma ocorrência rara em muitos dos filmes de Hitchcock, incluindo Strangers em um trem e Topaz. Enquanto Hitchcock fez fazer um grande esforço de preparação para todos os seus filmes, ele estava plenamente consciente de que o processo de tomada de filme real, muitas vezes desviado dos melhores planos e era flexível para se adaptar às mudanças e necessidades de produção, como seus filmes não foram livre das dificuldades enfrentadas normais e rotinas comuns utilizadas durante muitas outras produções de cinema.
O trabalho de Krohn também lança luz sobre a prática de Hitchcock de tiro geralmente em ordem cronológica, o que ele observa enviou muitos filmes sobre o orçamento e sobre o cronograma e, mais importante, diferia do procedimento operacional padrão de Hollywood no Sistema Era Studio. Igualmente importante é a tendência de Hitchcock para filmar takes alternativos de cenas. Este diferia de cobertura em que os filmes não foram necessariamente tiro a partir de ângulos diferentes, de modo a dar as opções de editor para moldar o filme como ele / ela escolhe (muitas vezes sob a égide do produtor). Ao contrário, eles representavam tendência de dar a si mesmo opções na sala de edição, onde ele iria aconselhar os seus editores depois de ver um corte brusco da obra de Hitchcock. De acordo com Krohn, esta e uma grande quantidade de outras informações reveladas através de sua pesquisa de documentos pessoais de Hitchcock, revisões de script e assim por diante refutar a noção de Hitchcock como um diretor que estava sempre no controle de seus filmes, cuja visão de seus filmes não fez mudança durante a produção, o que notas Krohn manteve-se o mito central de longa data de Alfred Hitchcock.
Sua meticulosidade e atenção aos detalhes também encontrou sua maneira em cada cartaz do filme para seus filmes. Hitchcock preferiu trabalhar com os melhores talentos de seus projetistas dia por película cartaz tais como Bill Ouro e Saul Bass-e manteve-los ocupados com inúmeras rodadas de revisão até que ele sentiu que a única imagem do cartaz representada com precisão todo o seu filme. [Citação necessário]
"O comprimento de um filme deve ser diretamente relacionada com a resistência da bexiga humana."
Da mesma forma, grande parte da suposta antipatia de atores de Hitchcock tem sido exagerada. Hitchcock simplesmente não tolerar a abordagem método, como ele acreditava que os atores só deve se concentrar em suas performances e deixar o trabalho no roteiro e caráter para os diretores e roteiristas. Em uma entrevista Sight and Sound, ele afirmou que, "o método ator é OK no teatro, porque ele tem um espaço livre para se movimentar. Mas quando se trata de cortar o rosto e que ele vê e assim por diante, tem de haver alguma disciplina ". Ele usado frequentemente os mesmos atores em muitos de seus filmes.
Durante a realização do barco salva-vidas, Walter Slezak, que interpretou o vilão alemão, afirmou que Hitchcock sabia a mecânica de agir melhor do que ninguém que ele conhecia. Vários críticos têm observado que, apesar de sua reputação como um homem que não gostava de atores, diversos atores que trabalharam com ele deu muito bem, muitas vezes performances brilhantes e estes desempenhos contribuir para o sucesso do filme. Como mais detalhadamente discutido acima, em "Inter-guerra britânico carreira," atriz Dolly Haas, que era um amigo pessoal de Hitchcock e que atuou por ele no filme I Confess 1953, afirmou que Hitchcock considerados atores como "adereços de animação."
Na minha opinião, o principal requisito para um ator é a capacidade de fazer nada bem, o que não é de forma tão fácil quanto parece. Ele deve estar disposto a ser utilizada e totalmente integrada na imagem pelo diretor e câmera. Ele deve permitir que a câmera para determinar a ênfase adequada e as mais eficazes destaques dramáticos.
Em relação Hitchcock, por vezes, menos de relacionamento agradável com os atores, houve um rumor persistente de que ele havia dito que os atores fossem gado. Hitchcock abordou esta história em sua entrevista com François Truffaut:
Eu não estou muito certo em que contexto eu poderia ter feito tal declaração. Ele pode ter sido feito ... quando eu usei atores que estavam realizando simultaneamente em peças de teatro. Quando eles tinham uma matinê, e eu suspeito que eles estavam permitindo-se muito tempo para um almoço muito agradável. E isso significava que tínhamos de filmar nossas cenas em velocidade alucinante para que os atores pudessem sair a tempo. Eu não podia deixar de sentir que se tivessem sido realmente consciente, eles teriam engolido o seu sanduíche no táxi, no caminho para o teatro, e chegar a tempo para colocar em seu make-up e ir ao palco. Eu não tinha nenhuma utilidade para esse tipo de ator.
Carole Lombard, aprimorando Hitchcock e angariar um pouco de publicidade, trouxe algumas vacas junto com ela quando ela relatou ao conjunto de Mr. and Mrs. Smith.
No final dos anos 1950, os críticos franceses da Nouvelle Vague, especialmente Éric Rohmer, Claude Chabrol e François Truffaut, estavam entre os primeiros a ver e promover filmes de Hitchcock como obras artísticas. Hitchcock foi um dos primeiros diretores a quem eles aplicados sua teoria do autor, o que reforça a autoridade artística do diretor no processo de tomada de filme.
Inovações e visão de Hitchcock ter influenciado um grande número de cineastas, produtores e atores. Sua influência ajudou a iniciar uma tendência para diretores de cinema para controlar aspectos artísticos de seus filmes sem responder ao produtor do filme.
Ver artigo principal: Lista de prêmios e indicações recebidos por Alfred Hitchcock
Hitchcock era um candidato múltiplo e vencedor de vários prêmios de prestígio, recebendo dois Globos de Ouro, oito Laurel Awards e cinco prêmios realização da vida, incluindo o primeiro BAFTA Fellowship Academy Award, bem como sendo cinco vezes nomeado para, embora não ganhar, uma Academy Award como Melhor Diretor. Seu filme de Rebecca (nomeado para 11 Oscars) ganhou o Oscar de Melhor Filme de 1940, particularmente notável como mais um filme de Hitchcock, Correspondente Estrangeiro, também foi nomeado naquele mesmo ano.
Inglês Heritage azul placa em 153 Cromwell Road, London, SW5 comemorando Hitchcock
Além destes, Hitchcock recebeu o título de cavaleiro em 1980, quando foi nomeado Cavaleiro Comandante da Mais Excelente Ordem do Império Britânico (KBE) pela Rainha Elizabeth II em 1980 Honras de Ano Novo. Perguntado por um repórter por que tinha tomado a rainha tanto tempo, Hitchcock brincou: "Acho que foi uma questão de descuido". Uma chapa azul Patrimônio Inglês, revelou, em 1999, as marcas de onde Sir Alfred Hitchcock viveu em Londres, 153 Cromwell Road, Kensington e Chelsea , SW5.
Em junho de 2013, nove versões restauradas dos primeiros filmes mudos de Hitchcock, incluindo a sua 1925 estréia como diretor, The Pleasure Garden, foram mostrados na Brooklyn Academy of Harvey Theater de Música. Conhecido como "O Hitchcock 9", o tributo itinerante foi possível graças a um programa de 3 milhões dólares organizado pelo British Film Institute.
Junto com Walt Disney, Hitchcock foi um dos primeiros proeminentes produtores de cinema para totalmente prevêem o quão popular o meio da televisão se tornaria. De 1955 a 1965, Hitchcock foi o anfitrião e produtor de uma série de televisão intitulada Alfred Hitchcock Presents. Embora seus filmes tinham feito o nome de Hitchcock fortemente associada com suspense, a série de TV feita Hitchcock ele mesmo uma celebridade. Sua voz tingida de ironia e entrega droll assinatura, humor negro, imagem icónica e maneirismos se tornou instantaneamente reconhecível e foram muitas vezes objecto de paródia.
A seqüência-título do espetáculo imaginado uma caricatura minimalista do perfil Hitchcock (ele desenhou ele mesmo; é composta de apenas nove golpes), que sua verdadeira silhueta então preenchido. Suas introduções antes das histórias em seu programa sempre incluiu algum tipo de humor irônico, como a descrição de uma recente execução multi-pessoa prejudicada por ter apenas uma cadeira elétrica, enquanto dois agora são mostrados com um sinal de "Duas cadeiras-sem espera! ". Ele dirigiu 18 episódios do próprio série de TV, que foi ao ar 1955-1965 em duas versões. Tornou-se a Alfred Hitchcock Hour em 1962.
A série usou uma musiquinha curioso como o seu título-tema. Marcha Fúnebre de um Marionette, do compositor francês Charles Gounod (1818-1893), o compositor da ópera Faust 1859, foi-lhe sugerido pelo compositor Bernard Herrmann.
Arthur Fiedler e Boston Pops Orchestra incluiu a peça em uma de suas reproduzir discos de 45 rpm estendidas para RCA Victor durante os anos 1950. Alfred Hitchcock Presents foi parodiada por Friz Freleng de 1.961 desenhos animados The Cat Última Hungry, que contém um enredo semelhante à chantagem.
Na década de 1980, uma nova versão de Alfred Hitchcock Presents foi produzido para a televisão, fazendo uso de apresentações originais de Hitchcock em uma forma colourized.
Hitchcock aparece como um personagem na série de livros de detetive populares juvenil, Alfred Hitchcock e os três investigadores. A série de detetive de longa duração foi criado por Robert Arthur, que escreveu os primeiros livros, embora outros autores assumiu depois que ele deixou a série. The Three Investigators-Jupiter Jones, Bob e Peter Andrews-Crenshaw eram detetives amadores, um pouco mais jovens do que os Hardy Boys. Na introdução a cada livro, "Alfred Hitchcock" introduz o mistério, e ele às vezes se refere a um caso para os rapazes para resolver. No final de cada livro, os meninos reportar ao Hitchcock, e às vezes dar-lhe uma lembrança do seu caso.
No auge do sucesso de Hitchcock, ele também foi convidado a apresentar um conjunto de livros com seu nome ligado. A série era uma coleção de contos de populares contistas, focado principalmente em suspense e thrillers. Estes títulos incluídos Anthology de Alfred Hitchcock, Alfred Hitchcock Presents: Histórias para ser lido com a porta trancada, Museu monstro de Alfred Hitchcock, Contos Sobrenaturais de Alfred Hitchcock de Terror e Suspense, Spellbinders de Alfred Hitchcock em Suspense, fermentação da bruxa de Alfred Hitchcock, Ghostly Galeria de Alfred Hitchcock, Alfred Hitchcock é de um Hangman Dozen, Histórias de Alfred Hitchcock não para o Nervoso e assombrada casa cheia de Alfred Hitchcock. Hitchcock ele mesmo não estava realmente envolvido na leitura, revisão, edição ou seleção dos contos; na verdade, até mesmo suas introduções eram escritas à fantasma. Toda a extensão de seu envolvimento com o projeto foi a emprestar seu nome e coletar um cheque.
Alguns escritores notáveis cujas obras foram utilizados na coleção incluem Shirley Jackson (Strangers in Town, The Lottery), TH White (The Once and Future King), Robert Bloch, HG Wells (A Guerra dos Mundos), Robert Louis Stevenson, Sir Arthur Conan Doyle, Mark Twain eo criador de The Three Investigators, Robert Arthur. De um modo semelhante, o nome de Hitchcock foi licenciado para uma digestão porte mensal, Mistério de Alfred Hitchcock Magazine, que tenha sido publicada desde 1956.
Hitchcock também escreveu uma história de mistério para a revista Look, em 1943, "O Assassinato de Monty Woolley". Esta foi uma sequência de fotografias legendadas convidando o leitor a inspecionar as imagens para pistas sobre a identidade do assassino; Hitchcock lançou os artistas como a si mesmos, como Woolley, Doris Merrick e make-up homem Guy Pearce, com quem Hitchcock identificado, na última foto, como o assassino. O artigo foi reimpresso em Jogos Magazine em Novembro / Dezembro de 1980.
Em setembro de 2010, BBC Radio 7 transmitir uma série de cinco programas de quinze minutos intitulado The Late Alfred Hitchcock Presents com Michael Roberts representando Alfred Hitchcock para introdutório / comentários conclusivos e ler as histórias em sua própria voz. Estas cinco histórias eram originalmente destina-se à série de televisão, mas foram rejeitadas devido à sua natureza bastante horrível:
"O Waxwork" pela AM Burrage (transmitido 13 de setembro de 2010)
"Sredni Vashtar" por Saki (transmitido 14 de setembro de 2010)
"O Perfeccionista" por Margaret St. Clair (transmitido 15 de setembro de 2010)
"Ser um Assassino Myself" por Arthur Williams (transmitido 16 de setembro de 2010)
"O parceiro Dancing" por Jerome K. Jerome (transmitido 17 de setembro de 2010)
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